Fotos de Atardeceres Realmente Espectaculares Siguiendo 12 Sencillos Consejos

Por Miguel Lucas

Apuesto a que si haces un repaso mental de las fotografías de paisajes que más te han impactado recientemente, alguna de ellas es de un atardecer.
Hay atardeceres que son absolutamente mágicos. A mi, personalmente, me encanta "cazarlos" con la cámara y revivirlos más adelante. Compartirlos con los amigos y, por qué no, disfrutar de algún piropo que, como fotógrafo me brinda una buena instantánea de un espectáculo natural como son las puestas de sol.
Como todo, conseguir mejorar en el arte de inmortalizar atardeceres requiere un poco de paciencia y práctica. Y también ayuda leer algunos consejos como los que te acerco en el artículo de hoy ¿quieres descubrir cómo mejorar tus fotos de atardeceres?

Toma Nota de Lugares Ideales para un Atardecer

A veces, la historia de captura de un atardecer memorable comienza muchas horas antes del atardecer en sí e incluso en un día diferente. Mantente siempre alerta. Observa los lugares pos los que pasas y piensa en ellos en clave de atardecer. Piensa ¿cómo sería este lugar a la hora de la puesta de sol? Y si la respuesta es de genial para arriba, toma nota. Yo suelo llevar una libreta en la mochila en la que apunto ideas para fotografiar. Y muchas veces, las notas van sobre atardeceres.

Estate con Antelación en el Lugar

Trabaja con antelación. Date tiempo para encontrar la zona en la que vas a trabajar. Un atardecer propiamente dicho suele ocupar una ventana de unos 20 mins (esto depende del lugar del planeta en que te encuentres, así que si no vives en un país de latitudes medias, pon aquí tu cifra), pero piensa que nunca sabes el instante en que la luz va a ser absolutamente mágica, especialmente cuando las nubes entran en juego. Debes estar allí con tiempo y dejar que el atardecer vaya sucediendo mientras vas tomando tus fotos del espectáculo. Mi recomendación es que estés allí, al menos, media hora antes. Si necesitas saber a qué hora se pondrá el Sol, puedes echar un vistazo a http://www.largeformatphotography.info/sunmooncalc/

Llévate Siempre el Trípode

El trípode será un gran aliado para ti en fotografías de atardeceres. Por un lado porque te va a permitir usar la velocidad de obturación que necesites sin tener que preocuparte por la trepidación en tu foto. Por otro, aporta un nivel de confort adicional y evita los brazos cansados en sesiones largas. Además, si quieres un encuadre muy concreto, el trípode te va a permitir trabajarlo con mayor precisión. Y siempre estás a tiempo de soltar la cámara en un momento dado y conseguir movilidad para ciertas fotos. Así que, ya sabes, el trípode siempre contigo.

El ISO Más Bajo Posible

Es el momento de empezar a jugar con los controles de la cámara. En los atardeceres tienes luz suficiente, así que fija el ISO lo más bajo posible para trabajar con el menor nivel de ruido que puedas.

El Horizonte: o Recto o Intencionadamente Torcido

No hay medias tintas. Piensa en la foto que quieres tomar. Si estás jugando con el horizonte y quieres una determinada inclinación, a por ella. Pero si no, tu horizonte debe estar perfectamente nivelado. Muchas grandes fotos pierden mucho punch por tener errores de equilibrado en el horizonte. Tienes tiempo, así que, comprueba que tu horizonte está recto. Y si, al llegar a casa te das cuenta de que te torciste, no te preocupes, porque existen formas de arreglarlo.

Vigila el Histograma y "Peca" de Infraexposición

Este punto es importante. Las condiciones de luz en un atardecer pueden ser complicadas, así que conviene que te ayudes del histograma para comprobar si la exposición es adecuada. Suele ser un buen consejo jugar con ligeras infraexposiciones, puesto que ayudan a realzar los colores del atardecer. Otro truco que puedes seguir para medir correctamente la luz consiste en utilizar un modo de medición puntual y medir la luz a unos 30 grados de distancia del sol. Por supuesto, prueba y no dejes de medir en diferentes puntos.

Experimenta con Focales Largas y Cortas

• Focales de 120mm y superiores. Te dan un tamaño aparente del sol mucho mayor. Usa estas focales cuando el sol sea el auténtico protagonista. Suelen funcionar bien para dar un toque romántico al atardecer.
• Focales cortas y grandes angulares. Muy útiles cuando el protagonista es todo el paisaje. Muy útiles para acentuar la importancia del gradiente de colores que se producen en el cielo.

Juega con los Reflejos

Si en tu atardecer hay un río, lago, mar o similiar, dedica unas cuantas instantáneas a jugar con los reflejos.
Prueba con composiciones simétricas y también con otras claramente asimétricas.
Experimenta.

 

Dale una Oportunidad a las Siluetas

Importante que sean siluetas de verdad. Debes tener cuidado con el nivel de exposición de las siluetas, puesto que si es demasiado elevado pueden confundir al ojo, dando a entender que son motivos mal expuestos. El juego de las siluetas consiste en superponer motivos-contorno en primer plano sobre el fondo del atardecer.

 

Dispara, Dispara y Dispara

Prueba con diferentes valores de exposición. Prueba con diferentes composiciones. Prueba con diferentes focales. Y, lo más importante: analiza posteriormente los resultados, cuando estés delante del ordenador, con tus fotos. Utiliza cada una de tus pruebas para aprender lo que mejor funciona y tenlo en cuenta cuando vuelvas a salir a la caza y captura de un nuevo atardecer ¿de acuerdo?

Antes de Salir, Inspírate

Se pueden sacar grandes ideas de otros fotógrafos. Contemplar el trabajo de otros, sobre todo si son grandes fotógrafos es otra de esas cosas que podemos hacer para mejorar como fotógrafos.

Fuente :Dzoom

Elegir un Objetivo para Retratos: Elementos a Tener en Cuenta

Por Jose Luis Rodriguez

De vez en cuando recibo correos o me llaman amigos que me piden una recomendación a la hora de elegir un objetivo para retratos. Recomendar un buen objetivo para retratos es muchas veces complicado por el desembolso que uno debe realizar y porque en el campo de la compra de material fotográfico, salvo contadas excepciones, no se admiten cambios o devoluciones. Así que aprovecharé este artículo para tratar de dar unas pinceladas a la materia y orientarte lo mejor posible si te estás planteando comprar un objetivo para retratos. ¿Quieres saber qué cosas deberías tener en cuenta?

¿Realmente necesito un objetivo para retratos?

Si te has hecho alguna vez la pregunta, probablemente ya tienes la respuesta.
Imagino la situación. Estás profundizando en la fotografía, en algún momento te has comprado una cámara reflex, y tu cámara cuenta con un objetivo de los llamados de kit, uno de esos objetivos que vienen con la cámara.
No es que el objetivo sea malo, pero independientemente de que pueda cubrir tus necesidades a nivel de distancia focal, algo que no siempre es así, no es el objetivo más rápido del universo y puede que no te permita utilizar aperturas lo suficientemente grandes como para conseguir el efecto que deseas.

¿Qué focal es la más recomendable para retratos?

La focal utilizada a la hora de hacer retratos nos va a influir de dos formas en el resultado obtenido.
Por un lado, cada focal tiene una compresión de la perspectiva diferente. En este sentido, se suele recomendar el uso de focales en el rango que va de los 50mm hasta los 135mm, ya que es en este rango focal en el que la compresión de la perspectiva del rostro es más adecuada.
Por otro lado, la focal utilizada va a determinar la distancia a la que nos tenemos que situar de la persona en función del tipo de plano que queramos sacar. En este sentido, suelo observar que la gente se muestra más tensa cuanto más cerca de ella se sitúa uno con su cámara pese a que trabajes bien la conexión con tu modelo a lo largo de la sesión.

¿Focal fija o variable para retratos?

Los más puristas de la fotografía te recomendarán el uso de focales fijas sin dudarlo.
Hay un hecho obvio, y es que las focales fijas suelen contar con construcciones más robustas y más simples por la ausencia de ciertos elementos mecánicos que se suelen traducir en fotografías con una calidad estupenda en lo que a parámetros técnicos se refiere. Además, la mayor simplicidad se traduce en un menor coste de fabricación y en una consecuente reducción del precio del producto.
Pese a ello, hay muy buenos objetivos de focal variable cuyos resultados poco o nada tienen que envidiar a los de focal fija a la hora de hacer retratos, y cuentan con una ventaja fundamental a la hora de trabajar, y es la posibilidad de reencuadrar nuestro retrato sin necesidad de movernos del sitio, mientras que cuando trabajamos con focales fijas nos vemos obligados a movernos para conseguir el encuadre deseado.

¿Algún requisito de apertura?

Si has indagado en el maravilloso (y caro) mundo de los objetivos, a estas alturas sabrás ya lo que cuesta un buen objetivo. Y el precio suele estar relacionado con la mayor apertura que alcancen.
La apertura en el retrato es fundamental por varios motivos.
Por un lado, las aperturas grandes te van a permitir aislar los detalles del fondo para poder centrarte en el rostro, que al fin y al cabo es el centro de interés de tu fotografía.
Por otro, esas aperturas llevadas al extremo te permitirían centrarte incluso en detalles concretos del rostro (como por ejemplo los ojos) según el tipo de plano que estés utilizando.
Y por último, los objetivos con grandes aperturas se comportan mejor por regla general a la hora de enfocar, lo que te permitirá trabajar con más soltura y precisión en la sesión.

¿Qué pasa con el bokeh?

El bokeh es un término cuyo significado es "desenfoque", y se utiliza en fotografía para referirse a la calidad de un objetivo por la estética de las zonas desenfocadas que produce en una foto.
Y es que tan importante es la nitidez de las zonas enfocadas en una foto como el aspecto que presentan las zonas desenfocadas de la misma foto.
En retratos en exteriores o cualquier situación en la que el fondo de la fotografía no esté perfectamente controlado juega un papel muy importante, por lo que debería ser un elemento adicional a tener en cuenta a la hora de elegir.

Entonces, ¿qué objetivo para retratos me compro?

Como te decía, se trata de una decisión muy personal en la que influyen diferentes factores y entre ellos el precio. En un próximo artículo trataremos de hacer un repaso de los objetivos para retratos más extendidos entre la comunidad fotográfica para las diferentes monturas reflex. ¡Permanece atento!

Y a tí, ¿se te ocurre algo más a tener en cuenta?

El rango de focales cubierta, la apertura máxima y el bokeh son tres elementos clave a la hora de elegir un objetivo para retratos. Pero sin duda es posible que se te ocurran más elementos que no haya tenido en cuenta a la hora de escribir el artículo. Si es así, nos vendrá muy bien a todos que nos cuentes que más tendrías en cuenta a la hora de elegir un objetivo para retratos.

Cómo Conseguir unos Horizontes perfectamente Rectos en tu Fotografía de Paisajes en sólo 5 Pasos

Por Jose Luis Rodriguez

  Una de las reglas más básicas de composición en paisajes es la de mantener los horizontes rectos. Por supuesto, las reglas están para saltárselas y puedes probar tu creatividad con encuadres agresivos, pero si no es el caso y simplemente te has descuidado y has conseguido un horizonte algo caído, mientras no lo arregles estará creando un efecto muy negativo sobre tu paisaje. Pero no te preocupes: si utilizas Photoshop dentro de tu flujo de postprocesado, en este artículo te explico una forma muy sencilla de qué forma puedes arreglar ese horizonte caído. Te animas? Es mucho más sencillo de lo que puedas imaginar.

Introducción

Los horizontes caídos son un mal endémico de la fotografía de paisajes. Por muy cuidadosos que hayamos a la hora de ajustar la posición de la cámara en nuestro trípode o incluso si nos hemos ayudado de una burbuja de nivel para asegurarnos de que el horizonte está recto, no estamos libres al cien por cien de descubrir con horror en nuestro ordenador al revisar las fotos que una de ellas tiene un horizonte caído.
Este problema se agudiza si en lugar de haber utilizado el trípode hemos hecho la foto a pulso.
No obstante, y como te decía al principio, se trata de un problema que tiene una solución bastante sencilla si cuentas con una herramienta como Photoshop. Una solución que deberías incorporar a tu flujo de trabajo.

Paso 1: Haz zoom en tu fotografía

En los paisajes en los que aparezca el mar es muy sencillo, pero si estás trabajando con otro tipo de fotografía y percibes que está torcida, significa que tienes en ella algún punto de referencia que te indica cual debería ser la orientación correcta.
Con la fotografía abierta en Photoshop, busca ese punto de referencia y haz zoom sobre la fotografía para poder centrarte en el horizonte por completo.

Paso 2: Selecciona la herramienta Regla

Una vez tienes encuadrada la sección de la fotografía con la referencia del horizonte, selecciona la herramienta Regla de Photoshop.
Si no has visto nunca esta herramienta, se encuentra dentro de la barra de Herramientas, en el mismo sitio que el Cuentagotas. Si ves el cuentagotas, pulsa el botón derecho del ratón sobre él y se abrirá un menú con las distintas opciones agrupadas en ese punto, donde podrás elegir la Regla.

Paso 3: Traza una línea entre dos puntos de referencia

Al seleccionar la herramienta Regla y situarte con el cursor del ratón sobre la fotografía, observarás que el puntero del ratón ha cambiado.
Lo que tienes que hacer aquí es marcar dos puntos que determinen una línea recta. Busca un sitio para marcar el punto de origen y, manteniendo el botón del ratón pulsado, ve moviéndote por la pantalla hasta alcanzar el punto de destino.
Una vez tengas el ratón sobre el que hayas decidido que debe ser el punto de destino, levanta el dedo del botón.
Si te has equivocado al marcar el punto de origen o de fin, no te preocupes. Si vuelves a pinchar con el ratón sobre la fotografía marcarás un nuevo punto de origen para fijar la línea.

Paso 4: Rota el lienzo

Aunque no lo veas aún, la línea que acabas de trazar sobre la foto es mucho más que una línea.
Lo que hemos hecho es decir a Photoshop cuál es el ángulo que forma nuestro horizonte con el horizonte real.
Para que lo veas, selecciona el menú Imagen > Rotar Lienzo > Arbitrario... Al abrir esta opción verás cómo aparece en la ventana un ángulo a rotar por defecto. Es el ángulo que acabamos de medir sin saberlo.
Simplemente pulsa aceptar y verás cómo la fotografía gira para mostrar el horizonte, esta vez si, perfectamente recto.
En función de si has marcado los puntos de origen y destino de izquierda a derecha o de derecha a izquierda es posible que tengas que cambiar la opción de orientación que viene marcada por defecto. En cualquier caso, lo verás al aplicar la acción y podrás dar marcha atrás el último paso si lo necesitas con Ctrl+Z.

Paso 5: Reencuadra

El único problema que tenemos en este punto es que, al haber girado la fotografía, debemos reencuadrar de nuevo.
En este punto puedes decidir si quieres reencuadrar manteniendo la proporción de la foto original (si, por ejemplo, vas a imprimir) o si deseas dar a la fotografía unas proporciones de alto y ancho diferentes.
Simplemente tienes que indicar tus preferencias a la hora de utilizar la herramienta de reencuadre y listo.
¿Te imaginabas que fuera tan sencillo enderezar el horizonte en una foto con el horizonte caído?

Fuente:dzoom

Entendiendo el Control de Compensación de la Exposición de tu Cámara

Por Jose Luis Rodriguez

La compensación de la exposición es uno de esos controles de las cámaras que uno nunca tiene muy claro para que sirven y cómo utilizarlos. En mi caso, he de reconocer que tardé bastante en entender, no ya su significado, sino sobre todo en qué tipo de situaciones podría necesitar utilizarlo. Si no quieres que te pase lo que a mí y que transcurran años antes de usar este control de la cámara, yo que tú no me perdía este artículo. Cuando lo hayas leído tendrás mucho más clara su utilidad y en qué situaciones te puede ser muy útil.

Introducción

Siempre que había leído las especificaciones de una cámara me encontraba una mención a la compensación de exposición. Si revisas las características técnicas de cualquier cámara verás referencias del tipo: "De -2 EV a +2 EV en saltos de 1/3 de EV" y cosas parecidas.
Siempre intuí que cuanto mayor fuera el rango que ofrecía la cámara y más flexibles fueran los saltos debía ser mejor, pero una y otra vez me golpeaba la misma pregunta: "Y esto, ¿para que me sirve?". Si viene en las características de la cámara debe ser por algo.

La medición de la luz y los modos de medición

Las cámaras modernas cuentan con un medidor de la luz incorporado. A través de este medidor, la cámara es capaz de determinar la cantidad de luz que necesita para exponer correctamente, y es capaz de conseguir esa cantidad de luz a través de la apertura del diafragma que utilicemos (más luz cuanto mayor es la apertura) y el tiempo durante el cual el diafragma permanezca abierto (tiempo de exposición o velocidad de obturación).
Para determinar esa cantidad de luz, podemos indicar a nuestra cámara qué superficie de nuestro encuadre es la que queremos evaluar para determinar esa cantidad de luz.
Los modos de medición dependen de cada cámara, pero existen una serie de ellos más o menos estándar. Estos modos podrían ser, de menor a mayor superficie tenida en cuenta para realizar el cálculo de la luz necesaria, el modo puntual, en el que se mide una pequeña superficie alrededor del punto de enfoque; el promediado o ponderado al centro, en el que la superficie que se tiene en cuenta alrededor del punto de enfoque es mayor; y el matricial, en el que se tiene en cuenta la superficie completa del encuadre.

¿En qué modos tiene sentido usar la compensación de la exposición?

Al hablarte de los modos de medición de la luz es probable que hayas empezado a pensar por tí mismo en qué tipo de situaciones podrías desear jugar con la medición de la exposición para poder influir en la información proporcionada por el sensor de la luz y, de esta forma, poder subexponer o sobreexponer tus fotografías.
Efectivamente, éste es el motivo. Gracias al control de composición de la exposición tenemos la posibilidad de controlar la exposición por encima de los datos arrojados por la propia cámara.
Se pueden presentar ocasiones en las que, por la naturaleza de la fotografía, el resultado que obtengamos independientemente del modo de medición utilizado no sea completamente de nuestro agrado.
Y hay situaciones especiales en los que además la corrección de la exposición se convierte casi en una norma que debemos aplicar de forma continua y que te enumero a continuación.

Un caso de aplicación: Corrigiendo la subexposición o sobreexposición de tu cámara

Una de esas situaciones es la de poder corregir la exposición resultante de trabajar con nuestra cámara en determinados modos de medición.
Por ejemplo, hay determinados usuarios que se quejan de que su cámara subexpone o sobreexpone siempre que hace fotos con un determinado modo de medición.
Esto implica para ellos que, si no modifican este parámetro, todas sus fotos quedan subexpuestas o sobreexpuestas, según su modelo de cámara, para ese modo de medición.
Gracias a este control, esos usuarios mantienen una configuración por defecto con el compensador de la exposición que les permite hacer fotos con exposiciones más acordes a sus gustos.

Otra situación muy interesante: tomando fotos para fusionar posteriormente

Algunas cámaras cuentan con un modo de disparo llamado "bracketing" u horquillado que permite realizar diferentes tomas en las que las exposiciones van cambiando.
Pensado fundamentalmente para fusionar diferentes tomas, este control permite, fijando previamente la cámara con un trípode, realizar varias fotos de un mismo encuadre con exposiciones diferentes, de modo que recojamos la información correcta de las distintas zonas de la fotografía a lo largo de las tomas para fusionarlas posteriormente, ya que el rango dinámico de la cámara no nos permitiría exponer correctamente todas las zonas de la foto en una sola toma.
Es lo que se conoce como fotografías de Alto Rango Dinámico (HDR) o fusión de imágenes.
El caso es que hay cámaras que no cuentan con este modeo de braketing, y otras en las que el modo está limitado a un número de tomas que podemos considerar insuficientes para realizar una fusión con garantías o que no nos da demasiada libertad en el rango y saltos aplicados.
Sea cual fiere el caso de tu cámara, gracias al control de corrección de la exposición podrías aplicar un braketing personalizado tanto en número de tomas como en los saltos de exposición entre cada una de ellas.

Todos los Secretos de los Modos de Fusión de Capas en Photoshop (Parte 2)

Por Javier Lucas

Photoshop tiene una gran variedad en lo que a modos de fusión de capas se refiere. Como recordarás, en el primer artículo sobre modos de fusión ya cubrimos 12 tipos. Para el artículo de hoy, hemos dejado otros 13 modos sobre los que comentar sus peculiaridades y usos.

Entre los modos que vamos a ver están algunos de los modos más empleados en retoque fotográfico con Photoshop. Es el caso de modos como Superponer, Tono, Diferencia... En definitiva, que no te puedes perder este artículo. Además son sólo unos minutillos. Lo prometo.

Lo primero es que sepas cómo acceder al modo de fusión y conozcas la forma en que se comporta esta funcionalidad y cómo variar el modo.

Lo que quiero decir es que, si no leíste Todos los Secretos de los Modos de Fusión de Capas en Photoshop (Parte 1) es muy recomendable que lo hagas.

No sólo conocerás los otros modos de fusión que existen, sino que además obtendrás información esencial para empezar a trabajar con capas.

Una vez dicho esto, si te parece continuamos analizando los modos de fusión por donde lo habíamos dejado en el anterior artículo. Es decir, es el turno del decimotercer modo.

#13 Superponer

Es un modo que combina los resultados ofrecidos por dos modos que ya vimos en la primera parte. Concretamente aplica el modo Multiplicar sobre las sombras (las oscurece) y el modo Trama sobre las luces (las aclara).

De este modo se obtiene una imagen más contrastada, en la que las luces y sombras adquieren mayor fuerza, mientras que los tonos medios apenas varían con respecto a la imagen original.

Si observas la imagen de la derecha, verás que en las zonas en que la capa fusionada tiene sombras se multiplica (oscurece) la zona coincidente de la capa de fondo, mientras que en las zonas en que hay luces en la capa fusionada se produce una trama (aclaramiento) de la capa de fondo.

Es un modo muy apropiado para simular el archiconocido "Efecto Lomo", ya que en este efecto las luces y sombras están tremendamente contrastadas. ¿Quieres saber cómo conseguir el Efecto Lomo en 3 sencillos pasos?

También puedes utilizarlo para mejorar los tonos intermedios de tus fotografías. Aunque para ello hay que redefinir los niveles de luces y sombras de la imagen, ya que, como te he dicho, este modo no afecta a niveles medios.

#14 Luz Suave

Al igual que el modo anterior, este modo oscurece la imagen resultado cuando el pixel de la capa fusión es oscuro, mientras que aclara aquellas zonas de la capa de fondo que se fusionan con pixels claros en la capa de fusión.

El nombre del modo es porque proporciona un resultado similar al que se conseguiría iluminando la capa de fondo con un foco de luz poco intensa.

¿La diferencia con respecto al modo "Superponer"? El resultado es menos pronunciado que el que ofrece el modo "Superponer". Esto es, imágenes más blandas y menos contrastadas que las que se conseguirían con el otro modo.

Puedes ver un ejemplo en la imagen de la derecha, en la que, como ves, el efecto "oscurecido" y "aclarado" aplicado es mucho más leve que el que ofrece el modo "Superponer".

Este modo también es una excelente alternativa para lograr un mayor contraste en aquellas imágenes que te hayan podido quedar un tanto blandas.

Aunque, como te he dicho, el contraste logrado es menor que el que ofrece el modo "Superponer". Es una buena idea el que pruebes con los dos modos y te quedes con el que más te convenza.

#15 Luz Fuerte, #16 Luz Intensa y #17 Luz Lineal

En el caso del modo "Luz Fuerte", la iluminación es la que ofrecería un foco de luz dura. Es decir, aquellas zonas de la capa fusionada claras originarán en la imagen resultado luces pronunciadas.

Mientras que las zonas de la capa fusionada oscuras originarán la aparición de notables sombras en la imagen resultado. Permitiéndote crear sombras donde no las haya.

De nuevo el efecto es, en esencia, el que se consigue con "Superponer" o con "Luz Suave", aunque logrando una mayor fuerza en luces y sombras, que la ofrecida por estos dos modos.

Por su parte, el modo "Luz Intensa", como se puede apreciar en la imagen superior, trabaja más sobre el nivel de contraste de la imagen. Frente al mayor trabajo sobre el nivel de saturación, que es como parece que actúa el modo "Luz Fuerte".

En cuanto al modo "Luz Lineal" varía el nivel de brillo de la imagen resultado en función de las luces o sombras presentes en la capa fusionada. De manera que incrementa el brillo de aquellos pixels de la capa de fondo que son fusionados con luces de la capa fusionada y bajando el brillo de aquellos que son fusionados con sombras.

Nuevamente mi recomendación es que si no tienes claro qué modo aplicar, hagas pruebas sobre la imagen en concreto y decidas cuál emplear.

#18 Luz Focal y #19 Mezcla Definida

Los resultados que ofrece el modo "Luz Focal" son similares a los tres modos anteriores. Aunque con algunas peculiaridades.

Si no te vale con saber que es un resultado similar, no te preocupes, ahora te cuento cómo calcular exactamente el valor de cada pixel.

Según los desarrolladores de Photoshop, el color resultado dependerá del color presente en la capa fusionada del siguiente modo:

• Si el color de la capa fusionada (origen de la luz) es más claro que un 50% de gris, los pixels más oscuros que el color de fusión se reemplazarán y los más claros no cambiarán.
• Si, por el contrario, el color de fusión es más oscuro que un 50% de gris, los pixels más claros que el color de fusión se reemplazarán y los más oscuros no cambiarán.

Sin duda, puede resultar un modo a tener en cuenta cuando se desea aplicar efectos especiales a tus imágenes. Échale un vistazo a la imagen inferior, a ver qué te parece.

Por su parte, el modo "Mezcla Definida", al que también podríamos denominar como modo "Todo o Nada", porque, como verás a continuación, atribuye a cada uno de los canales que componen cada pixel de salida el valor 0 ó 255.

Ahora te explico qué quiero decir. El modo se comporta así:

• El color del pixel resultado para cada canal (rojo, verde y azul) será 255 si la suma de los valores para dicho canal de cada pixel de la capa fusionada y de fondo suman 255 ó más, siendo 0 en caso contrario.
• De este modo, todos los pixels de la capa resultado sólo podrán ser rojos (255 únicamente en el canal rojo), azules (255 únicamente en el canal azul), verdes (255 únicamente en el canal verde), cianes, amarillos o magentas (255 en 2 de los tres canales), blanco (255 en todos los canales) o negro (0 en todos los canales).

¿Ahora te explicas la presencia de valores tan intensos y específicos en la imagen superior resultado de aplicar el modo "Mezcla Definida"?

En mi opinión, el uso de estos modos es mucho más marginal que el de los anteriores, aunque siempre puede resultarte útil conocerlos y experimentar en algunas imágenes.

#20 Diferencia y #21 Exclusión

La imagen resultado de aplicar estos modos se obtiene a partir de la sustracción del valor para cada canal de cada pixel de la capa fusionada con el correspondiente pixel de la capa de fondo y tomando el valor absoluto de esta substracción.

Matemáticamente podríamos indicarlo así Color Resultado (Para Cada Canal) = |Color Pixel Fusionado - Color Pixel Fondo|.

Para los casos partículares de fusionar con blanco y negro, en el primer caso obtenemos el color inverso, mientras que en el caso del segundo los pixels de la capa de fondo no sufren variación. Puedes verlo claramente en la siguiente imagen.

El uso más habitual de estos modos es para alinear imágenes de una misma escena. Esto es muy usado, por ejemplo, a la hora de fusionar imágenes en técnicas HDR por los propios programas que realizan la fusión.

Así, se puede determinar que las imágenes sólo estarán correctamente alineadas cuando el resultado de aplicar este modo de fusión entre las distintas imágenes ofrezca como resultado una imagen prácticamente negra (resultado de sustraer valores idénticos para cada pixel).

¿Cuál es la diferencia entonces entre estos modos (parece que ofrecen idénticos resultados a raíz de la imagen superior? Muy sencillo, el modo "Exclusión" ofrece imágenes con menor contraste como puedes ver a continuación.

En este caso, al aplicar ambos modos sobre capas idénticas, se aprecian diferencias en cuanto a su comportamiento, ¿verdad? El modo "Diferencia" muestra una imagan completamente negra (mayor contraste), frente al modo "Exclusión" donde el resultado no es, en absoluto, totalmente negro.

#22 Tono

Probablemente éste sea uno de los modos en que intuir lo que hace sea más sencillo, ¿a que sí? Si hasta seguro que lo has empleado en alguna ocasión.

Como su nombre indica, lo que se consigue con este modo es que la imagen resultado adquiera el tono de los pixels presentes en la capa fusionada, mientras que mantenga los valores de brillo y saturación presentes en la capa de fondo.

En la imagen de la derecha puedes ver una aplicación de ese sencillo efecto de cambio de color del iris mediante el uso del modo de fusión "Tono".

Frente al color verde que tenía la fotografía original, le hemos dado un color que, aunque tremendamente artificial, es idéntico y va muy bien con el de la sombra de ojos.

¡Pruébalo! Es muy sencillo y puedes conseguir resultados espectaculares.

#23 Saturación

En esta ocasión el parámetro que se toma de la capa fusionada es la saturación, mientras que se mantienen los valores de tono y brillo de los pixels de la capa de fondo.

El uso de este modo es, precisamente para variar el valor de saturación de la capa de fondo, o bien de ciertas partes de esta capa.

Pues bien, cuando escribimos ese artículo no optamos por la posibilidad de aplicar este modo de fusión, sino que decidimos emplear la herramienta desaturar.

En la imagen de la derecha puedes ver cómo habríamos podido conseguir algo similar haciendo uso de este modo de fusión.

Lo único que hay que hacer es duplicar la capa y rellenar con un gris con saturación 0% aquellas partes de la imagen que desees desaturar (dejar sin color).

Finalmente, aplicando el modo de fusión "Saturación" lo que conseguimos es mantener la saturación del elemento principal, mientras que el resto de elementos, como adquieren el valor de saturación de la capa fusionada, se desaturan completamente.

#24 Color

Los pixels que componen la imagen resultado toman el valor de brillo de la capa de fondo y los valores de tono y saturación de la capa fusionada.

Lo que conseguimos así es no sólo dotar a la imagen resultado del tono presente en la capa fusionada, sino del color en sí. Por este motivo es un modo muy empleado cuando se desea "teñir" una imagen de un determinado color.

En imágenes en blanco y negro puede ser una excelente idea su uso para obtener resultados tipo sepia, o con cualquier otra dominante que se te ocurra. Puedes ver a qué me refiero en la imagen de la derecha.

La diferencia entre aplicar este modo y el modo "Tono" a una imagen como la de la derecha, sería que, si aplicásemos el modo "Tono", la reducida saturación de la capa de fondo impediría que la imagen resultado se tiñese del color de la capa fusionada.

Haz la prueba tú mismo y verás que las aplicaciones de "Tono" y "Color" son bien distintas.

#25 Luminosidad

Hasta ahora el único parámetro que no se había tomado de la capa fusionada era el valor del brillo. Por ese motivo surge este modo de fusión.

En el caso del modo "Luminosidad", la imagen resultado toma el valor de luminosidad de cada pixel que compone la capa fusionada y mantiene los valores de tono y saturación presentes en los pixels de la capa de fondo.

El uso de este modo se reserva para la reducción de halos aparecidos tras aplicar valores excesivos de enfoque en el postprocesado.

Y Eso Es Todo Amigos

Como decía Bugs Bunny al final de cada capítulo de los Looney Tunes, "Eso es to... Eso es to... Eso es todo amigos". Este artículo y con él la doble entrega sobre modos de fusión en Photoshop tocan a su fin.

Espero que la consideres como una buena recopilación a la que poder acudir en un futuro cuando dudes sobre la funcionalidad que proporcionaba un determinado modo fusión.

Porque coincidirás conmigo en que cada modo de fusión da para un artículo propio, pero la idea era que tuvieses una idea básica de todos ellos. Y eso lo hemos conseguido, ¿no crees?

Ahora sólo falta que adquieras soltura y empieces a utilizarlos cuando corresponda.