Fotografía Nocturna de Larga Exposición: la Luna y las Estrellas

Por autor invitado

Miguel Lucas: Hoy os acercamos un nuevo artículo de Fusky (Iván Sánchez) en que nos sigue contando cosas interesantes sobre la fotografía nocturna de larga exposición.

Llegamos a una de las entregas más fascinantes, y que a veces no podemos controlar. La meteorología es uno de los factores claves es nuestras fotos y conocerla de antemano nos puede facilitar mucho la composición de nuestras fotografías. Las nubes, el estado de la Luna, y cosas como saber ubicar la estrella polar son fundamentales en este tipo de fotografías.
Hoy veremos qué factores debemos tener en cuenta, cuáles son los más favorables y cómo adelantarnos a ellos. También veremos un factor que aunque no sea natural, también es fundamental, y no es otro que la contaminación lumínica.

La Luna

Aparte de la idea romántica que pueda llegar tener este satélite natural, la verdad es que para nuestro objetivo la vamos a tratar como un simple foco de luz que varía su potencia dependiendo del estado en que se encuentra.

¿Qué cosas tendremos en cuenta de la luna?

Dos de las más importantes son la fase lunar, y la altura que tiene a la hora de fotografiar. La luna, en su fase creciente tiene forma de "D" y cuando decrece, tiene forma de "C". Dependiendo de nuestro objetivo final, nos convendrá salir con una luna u otra.

¿Y cómo sé las fases lunares y la luz?

Hay multitud de programas libres en Internet. Por ejemplo, en mi PC de casa, tengo el Moonphase, programa muy completo que nos dirá el estado de la Luna actual, y a futuro. Además nos indicará a qué hora sale y a qué hora se pone la Luna.Si dispones de un teléfono de última generación, puedes buscar en el AppleStore, si tienes un iPhone, o bien en el Market, para usuarios de Android. Para este último caso (Android), yo tengo en mi teléfono el Moonstats, programa sencillo y muy eficiente, que además nos dirá en porcentaje la fase en que se encuentra hoy y en un día en concreto. Muy útil para planificar las salidas.
Otro detalle a tener en cuenta es que la Luna se mueve en el cielo (aunque realmente es la Tierra quien lo hace), y si optamos por incluir la Luna en nuestra composición, tenerlo en cuenta para que no nos aparezca un manchurrón (Luna en movimiento) en la fotografía
Utiliza tiempos cortos de exposición y recuerda que para sacar la luna estrellada es necesario cerrar el diafragma, por ejemplo un f/8.

Las estrellas

La inclusión de las estrellas en nuestras composiciones, nos va a dar un plus de nocturnidad a la escena. Hay que tener en cuenta que debido a la composición de las estrellas (gases), no todas ellas van a ser del mismo color, además de influir el balance de blancos que tengamos configurado en nuestra cámara.
Para obtener las estrellas fijas en la imagen, subiremos el ISO de nuestra cámara, y no expondremos mucho tiempo. Hay diversos cálculos basados en la focal utilizada. Un cálculo válido es dividir 500 por la focal elegida, y el resultado nos dará el tiempo de exposición máxima antes de reflejar estelas.
Pongamos un ejemplo:
Selecciono un 12mm, por lo que 500/12=41,6. Así pues tenemos 41 segundos hasta que las estrellas se noten movidas. Si te fijás en la imagen que acompaña al texto, el tiempo es 19 segundos, y no se aprecia ningún tipo de movimiento. Es más, la constelación de Orión está perfectamente fotografiada en la parte superior derecha.
Para tener el control total del comportamiento de las estrellas en nuestra fotografía, tenemos que saber la posición de una en concreto. La estrella Polar.

La estrella Polar

Está en el norte y forma parte de la constelación de la Osa Menor. Debido a la inclinación del eje de rotación de la Tierra, si incluimos la estrella Polar en nuestra composición, y hacemos una fotografía de unos 10 minutos como mínimo, veremos cómo tenemos la típica foto circumpolar.
Es un efecto muy utilizado en la fotografía nocturna, ya que parece como si las estrellas giraran alrededor de un punto fijo (la estrella Polar). A mayor tiempo, las trazas de las estrellas serán más largas y el efecto será mucho más impactante.Recuerda que la circumpolar debe tratarse como un elemento más en la composición, y como tal, podemos ocultar el inicio, poner la estrella Polar en el centro, en un lateral? Las posibilidades son infinitas. El mejor momento para realizar este tipo de fotografías es, como os hemos dicho antes, cuando la luna no está en su fase más completa, para evitar la contaminación de su luz, y así poder obtener más trazas de estrellas.
No obstante, si no tenemos la mejor Luna para hacer una circumpolar, y queremos realizarla, hay una manera de hacerlo. Si disponemos de un intervalómetro, y de un programa llamado Startrails, podremos hacer un montaje de una circumpolar del tiempo que queramos. Componemos nuestra imagen, y configuramos nuestro intervalómetro para que realice, por ejemplo exposiciones de 1 minuto, y le indicamos que realice 40. Lo que tendremos serán 40 fotos de 1 minuto de duración. Luego con el programa, le indicamos cuáles son las 40 fotos que queremos unir, y él solito nos irá uniendo las estrellas, hasta obtener una circumpolar de 40 minutos, sin ruido, sin hot pixels? Merece la pena probarlo. Es impresionante.

Ecuador celeste

El Ecuador celeste es la línea imaginaria donde se dividen los dos hemisferios celestes. Si logramos encontrar su plano y hacemos una exposición larga, obtendremos una línea de estrellas que serán rectas, y dos grupos de estrellas que serán oblicuas y convexas a la línea recta de estrellas. Se trata de un efecto poco visto en la fotografía nocturna, y para obtenerlo, deberemos orientar nuestra cámara al este o al oeste.

La Vía Láctea

Si lo que pretendemos es fotografiar la Vía Láctea deberemos subir el ISO desde los 1600 en adelante y que no haya Luna o muy poca.
Otra de las cosas interesantes a tener en cuenta es que, a medida que nos separemos de la estrella Polar, las trazas de las estrellas serán más largas y se irán haciendo cada vez menos curvadas y más rectas, hasta llegar al este o al oeste (Ecuador celeste).
Para los teléfonos móviles, Google tiene una herramienta maravillosa: el Google Sky. Con este programa podremos localizar de manera fácil y muy precisa todas las constelaciones, incluida la estrella Polar. Es gratuito.

Las Nubes y el Viento

Otro elemento que podemos incluir en nuestras fotografías son las nubes. Pero no nos vale cualquier nube. Si tenemos una noche encapotada, no nos va a aportar mucho, e incluso nos puede arruinar la sesión. Pero si se trata de nubes ligeras, nubes en movimiento que alternan con claros, podemos realizar largas exposiciones y obtener unos efectos muy impactantes en nuestras imágenes.
Aquí es importante también la buena composición de las nubes, ya que nos pueden ayudar a aportar desde dramatismo a la escena, por ejemplo aumentando la temperatura de color, o bien para centrar la atención en un elemento de la escena (haciendo de guía). La experiencia te dirá cuánto deberás exponer para conseguir efectos diferentes con las mismas nubes.
Para todo este tipo de cosas, me suelo apoyar mucho en una página web, eltiempo, donde podemos ver desde la previsión de lluvia (muy importante), hasta la previsión de la densidad de nubes y su dirección, basado en el viento. Este último factor (el viento) es muy importante, porque si hay viento, las ramas de los árboles nos saldrán movidas. Ten en cuenta este dato, porque puede que no quieras este efecto en tus fotos. Todo dependerá del objetivo final de nuestra escena. En la mayoría de los casos, una imagen con árboles movidos, seguramente nos dará sensación de pérdida de foco.

Contaminación Lumínica

Y esto sí que nos puede arruinar más de una fotografía. De día no podemos ver si las luces residuales de un pueblo o de otro se pueden colar en nuestra imagen. Hasta que no llega la noche, no sabremos cómo puede influir en nuestra toma. Un dato para los que vivimos en Madrid: para evitar la contaminación lumínica que genera la ciudad, nos tenemos que ir a más de 100 kms de distancia. Si no, veremos cómo en el punto donde está, se ve el resplandor de la gran ciudad. Aunque no vivas en Madrid, lo puedes usar como referencia a la hora de alejarte del centro de la ciudad o el pueblo en el que vivas.
Una vez que hemos realizado nuestras pruebas, y constatamos que hay contaminación, tampoco hay que rendirse. Siempre podemos tratar de amoldarnos a dicha contaminación en nuestra composición. Sí, pero ¿cómo?
La imagen que acompaña este punto, fue tomada con una central térmica a escasos 200 metros. Cuando vi la cantidad de luz que teníamos residual, decidí irme al otro lado del vagón, y encuadrar para que dos de las farolas que había, formaran parte de la fotografía y me delimitaran al vagón.
Otra cosa que podemos hacer en estos casos es aumentar la temperatura, por ejemplo, para ?camuflar? las luces de la urbe. Además, recuerda que la contaminación lumínica, también se verá reflejada en las nubes. Quizás en los días más nublados no obtengamos los mejores resultados si vemos que la contaminación rebota en ellas.
Llegados a este punto, ya tenemos todos los ingredientes para salir a fotografiar e iluminar la noche. En la siguiente entrega, veremos una planificación de sesión nocturna y explicaremos cómo se hizo una fotografía.

Artículo y fotos por Fusky (Iván). Informático de profesión, apasionado de la fotografía nocturna. En aprendizaje y evolución constante. Compartiendo todo lo que sé, y aprendiendo de los que saben. Puedes ver más de lo que hago en El Blog de Fusky y mi Perfil en Flickr.

Fotografía Nocturna de larga Exposición: Configurando la cámara

Por autor invitado

José Luis Rodríguez: ¿Os acordáis de Fusky (Iván Sánchez)? Hace unos días nos introdujo en el fascinante mundo de la fotografía nocturna de larga exposición. En este artículo damos continuidad a la serie, y nos explica cómo configurar nuestra cámara.

Una vez que tenemos el material básico para salir de noche con ciertas garantías para hacer fotos, ahora vamos a ver cómo configurar la cámara. Nos familiarizaremos con temas como el ISO, El balance de blancos (WL), enfoque, hiperfocal, ... Como en otras facetas de la fotografía, en la nocturna, ante las mismas condiciones cualquier cambio en alguno de los parámetros, obtendremos una imagen totalmente diferente. Al fotografiar por la noche, nos daremos cuenta de lo complicado que es llevar a cabo una correcta exposición y encuadre. Hoy, aprenderemos a configurar la cámara de manera que nos sea más fácil realizar la fotografía.

Configurando la cámara

No hay una configuración mágica, por lo que vamos a explicar detalladamente qué parámetros debemos configurar y cuáles son los posibles resultados que podemos obtener. Como veremos más adelante, hay muchísimos factores externos que no podremos controlar, y que necesitará configurar la cámara de manera manual.
Primero, quitaremos todos los automatismos de la cámara. Lo que queremos es tener un control total de la toma, y la única manera de obtenerlo, será configurando todos los valores manualmente.
No podemos delegar ningún parámetro en los sensores de la cámara, así que vamos a verlos uno a uno para saber qué configuración poner, ya que la noche confunde a la cámara.

ISO

Pondremos este valor en manual. En la mayoría de las ocasiones querremos obtener una imagen lo más limpia posible de ruido. Para ello pondremos el valor más bajo que nuestra cámara nos deje. Pero este valor debe ser el que el fabricante nos asegure que está calibrado.
Por ejemplo, en mi Nikon, ese valor es 200, aunque por debajo haya dos valores más, pero ya sin número.
Destacar que evidentemente, a mayor ISO, menos tiempo necesitaremos de exposición, además de obtener más número de estrellas, incluso las que no podemos apreciar a simple vista. Esto es debido a que al aumentar el ISO, el sensor registra más luz, y esto incluye a las estrellas que no vemos. Un caso que nos puede ser útil un ISO extremadamente alto (3200), sería para fotografiar la vía Láctea.
Pero esto no es gratuito, y a más ISO, más ruido en la fotografía, y perderemos nitidez en la imagen.
Ahora eres tú el que decide qué obtener. En la mayoría de los casos el ISO más bajo.
¿Dónde está el límite para obtener imágenes nítidas? Eso lo tenéis que averiguar vosotros. Con la práctica conoceréis los límites de vuestra cámara, 400, 800?

Diafragma

Normalmente, ajustaremos este valor con valores sobre 4 - 5.6.
Hay que tener en cuenta que en este campo, la utilización de grandes angulares son los más utilizados, y por ello, la profundidad de campo no es tan crítica, siempre y cuando tengamos el foco en el lugar de atención de la fotografía.
No obstante, si queremos obtener más trazas de estrellas, y no queremos aumentar el ISO, podemos abrir el diafragma.
Si por el contrario, tal y como ocurre en la fotografía urbana, si queremos incluir a la luna en nuestras tomas, y queremos obtener al astro con forma estrellada, cerraremos el diafragma, un f/8 puede ser una buena configuración.
Además, si utilizamos la técnica de la hiperfocal, nos daremos cuenta que con valores muy elevados de diafragma, nos será muy complicado hallar la distancia de enfoque.
En los días de luna llena, muchos autores, nos aconsejan cerrar el diafragma, para obtener más estrellas, aunque sólo conseguiremos obtener las más brillantes, debido a la cantidad de luz reinante. Esto lo veremos en más profundidad en futuras entregas.
Recuerda que al abrir el diafragma, los tiempos de exposición bajan, ya que entra más luz en el sensor.

Tiempo de exposición

Este es el pilar base de la fotografía nocturna. Para la fotografía paisajística o urbana, los tiempos de exposición nos lo dará fundamentalmente la correcta exposición del cielo, o bien si queremos conseguir un efecto especial de las estrellas. Para el LightPainting, el tiempo no es tan importante, y generalmente, la fotografía tardará lo que tardemos nosotros en pintar.
Dicho esto, se hace necesario que configuremos la cámara en modo BULB. Y con la ayuda de un cronómetro, disparemos la fotografía.
Recordad que es de noche, y necesitamos un cronómetro con luz, o un móvil, o un reloj. Algo retroiluminado. Y aquí os recomiendo la adquisición de un intervalómetro, que entre sus virtudes, está la de configurar el tiempo de exposición, y nos olvidamos de accionar la cámara y pararla.
Más adelante veremos cómo hallar el tiempo de exposición correcto.

Balance de Blancos (WL)

Este es el más sorprendente de los parámetros que podemos configurar.
Con el balance de blancos, o la temperatura de la imagen, conseguiremos obtener imágenes frías, o calientes. Decimos que son imágenes frías, cuando la tonalidad de la imagen tiende al azul, y caliente cuando esta tonalidad se va hacia el rojo.
Lo ideal es que nuestra cámara disponga de la posibilidad de configurar los Kelvin (así es como se mide la temperatura de color), siendo el valor más bajo frío y el más alto caliente.
Si nuestra cámara no dispone de selección de Kelvin, lo que sí que dispone es de unos modos preseleccionados, como el tubo fluorescente (fría) y el sol (caliente).
Una vez que hemos seleccionado la temperatura, tenemos que ser conscientes del tipo de luz artificial que vamos a emplear para iluminar.
Normalmente, emplearemos lo inverso a la temperatura de color seleccionada.
Si tenemos seleccionado temperatura caliente, utilizaremos luces frías, y si tenemos temperaturas frías, entonces utilizaremos luces calientes. Para conseguir contraste en las fotos.

El objetivo

Respecto al objetivo, normalmente, como hemos dicho ya, se utilizan objetivos angulares si vamos a fotografiar paisajes, o bien intentaremos utilizar objetivos con menor rango focal.
Quitaremos cualquier filtro UV que tengamos colocado en el objetivo para evitar destellos ocasionados por las diferentes fuentes de luz.
Pondremos el parasol. Fundamental. Para que si se nos cae la cámara, éste pueda proteger al objetivo.
¿Y cómo enfocamos? Hay dos formas. Una sería de manera manual o con el autoenfoque, para ello nos ayudaremos de alguna fuente de luz artificial para que el mecanismo de la cámara pueda realizar el enfoque por contraste. Hay muchos autores que se apoyan en los punteros láser. Muy útiles por llegar a distancias muy lejanas. Pero cuidado, porque si por accidente el haz de luz del láser incide en el sensor, seguramente lo estropearemos.
O utilizamos la técnica de la hiperfocal. Que no es otra cosa, y para no alargar la explicación, que enfocando un punto a una distancia dada por la focal y el diafragma, desde la mitad de esa distancia hasta el infinito está en foco.
Hay multitud de tablas para nuestro tamaño de sensor, y es imprescindible que esté en nuestras mochilas.
Además si disponéis de un teléfono de última generación, hay programas gratuitos para Apple o para Android. Siendo el más popular el DOFMASTER (http://www.dofmaster.com/).
Si sabemos hallar correctamente la hiperfocal, es muy cómoda y si no cambiamos ni el diafragma ni la focal durante toda la noche, podemos disparar sin preocuparnos del enfoque.

Reducción de ruido

En muchas cámaras, disponemos de dos opciones (vía menú de configuración), para reducir el ruido de las tomas. ?reducción de ruido? y ?reducción de ruido a ISOS altos?.
Nótese que cada fabricante le llamará de una manera diferente, pero lo que hacen es lo mismo.
En una de ellas, lo que hará la cámara será realizar otra imagen en negro con los mismos parámetros, incluyendo el tiempo de exposición. Esto implicará que si hacemos una fotografía de 15 minutos, se realizará otra de 15 minutos para eliminar lo máximo posible el ruido. Este procedimiento es muy eficaz, pero es muy tedioso. Recomendable para tomas muy importantes. Sobre todo porque si no ha salido bien la toma, habremos perdido 30 minutos, además del consumo de batería.
La otra opción, lo que hace es mediante el software interno de la cámara, elimina el ruido, tal y como lo haría cualquier otro software.
Este punto levanta bastante controversia, y cada autor opina muy diferente. Yo habitualmente, deshabilito toda la reducción de ruido, y luego en casa, con algún software especializado, trato el ruido (Noise Ninja, Lightroom, Nikon Capture? etc).
Un problema que podemos encontrar en nuestras tomas, son los hot pixels, que no son más que píxeles que pierden información debido a la temperatura que alcanza el sensor. No os preocupéis, apagad la cámara, y dejadla enfriar. Yo sólo he tenido un caso de hot pixels, y fue en pleno Agosto disparando durante más de 3 horas.

Fotografía Nocturna de Larga Exposición: Primeros Pasos y Equipo

Por autor invitado

Miguel Lucas: ¡Saludos! Os presento a Fusky (Iván Sánchez) quien hoy inicia una secuencia de artículos sobre la Fotografía Nocturna de Larga Exposición. Estoy convencido de que los disfrutaréis.La fotografía nocturna de larga exposición es un campo que en un corto espacio de tiempo, ha crecido exponencialmente, tanto en número de fotógrafos que la practican, como en creatividad. Se trata de un tipo de fotografía que captura la escasa luz nocturna (con, en ocasiones, ciertos complementos de luz artificial) usando elevados tiempos de exposición.

Gracias a la llegada de la era digital a las cámaras fotográficas, se pueden realizar pruebas y más pruebas sin necesidad de esperar al revelado, pudiendo hacer cambios en el momento de la toma. A lo largo de este artículo haré una pequeña introducción a esta técnica y describiré el equipo básico necesario.

Descubriendo el Mundo de la Noche

Este mundo nocturno es realmente impactante y muy diferente al que podemos observar de día. No obstante, las reglas de composición son las mismas, teniendo un plus de dificultad añadida por lógica falta de luz a la hora de componer. Un reto que resulta muy estimulante para el fotógrafo, y un resulta muy impactante para el espectador.
Personalmente, suelo realizar dos categorías en las fotografías nocturnas:

• Una de ellas sería la fotografía paisajística o urbana, donde el protagonista es cualquier elemento tanto urbano como natural, y que sólo iluminaremos los elementos a destacar. Aquí la iluminación no altera la toma. No añadimos nuevos elementos.
• La otra, una más creativa y artística, que la llamaremos Light Painting (Pintura con luz), donde, como dice su definición, pintaremos figuras, siluetas, esferas? ayudados de fuentes de luz. Es más artística y artificial, creando un escenario único e irreal. Hay autores que lo comparan con el graffiti convencional.

No es de extrañar que ambos conceptos convivan en una misma toma para dar como resultado una fotografía totalmente diferente a la podríamos ver con luz de día.

¿Qué Equipo Necesitas para Adentrarte en este Apasionante Campo?

El equipo básico incluye:

• Una cámara que nos permita regular el tiempo de exposición. Fundamental que se pueda poner en modo BULB, para poder disparar con tiempos superiores a 30 segundos. Recomendable una cámara réflex.

• Trípode. Este punto es fundamental. Necesitaremos un buen apoyo. No hace falta tener un trípode de 300 euros, pero sí uno que nos de una estabilidad suficiente como para que la imagen no salga movida. Elementos a tener en cuenta:
  • En este punto tendremos especial cuidado de dónde apoyamos el trípode. No es lo mismo ponerlo sobre asfalto que sobre la arena de la playa. Cuidado.
  • Además del estado del suelo, es importante que el trípode se comporte bien con viento. En ciertos trípodes, llevan incorporados un ganchito en la parte inferior. En este dispositivo es donde suelo colgar la bolsa de la cámara para aportar mayor estabilidad a la cámara.

• Disparador remoto. Para evitar que las imágenes nos salgan movidas, además del trípode, necesitaremos algún mecanismo para poder disparar y parar la toma sin necesidad de tocar la cámara. Aquí hay muchos modelos y muchas posibilidades. Nos puede valer desde uno inalámbrico, cuidado con las frecuencias. Más de una vez he parado la cámara de un compañero con mi propio mando. Como por cable.
  Lo preferible sería un intervalómetro, que no es otra cosa que un disparador por cable pero con una pantalla LCD, en la que podremos configurar tanto el tiempo de exposición (así no tendremos que controlar los tiempos con un reloj), como el número de disparos que queramos realizar. Muy útil para realizar un tipo de fotografías típicas en las nocturnas de larga exposición, las circumpolares, que las veremos más adelante.

Ya tenemos el equipo básico para irnos de noche a fotografiar.

También Te Resultará Útil Contar Con...

• Linternas y flashes. Para iluminar las escenas siendo básica su utilización. Generalmente, la luz del flash suele ser más difícil de controlar que la linterna. Hay muchas técnicas, y la práctica te dará qué utilizar en cada momento, incluso en mezclar las dos para diferentes resultados.

• Frontal. Es muy recomendable llevarlo, será nuestra linterna personal para buscar cualquier cosa en nuestra bolsa, o para configurar nuestra cámara.

• Geles. Utilizados para modificar tanto la temperatura del color de la nuestra fuente de luz, como para colorear. Muy útiles. Un sitio donde puedes conseguirlos es el http://flashgels.co.uk

En el Próximo Artículo de la Serie...

Hoy hemos visto una pequeña presentación de la técnica y el equipo que vas a necesitar en una sesión de fotografía nocturna de alta exposición. En el próximo artículo de la serie, hablaremos sobre los controles de la cámara.

Artículo y fotos por Fusky (Iván Sánchez). Informático de profesión, apasionado de la fotografía nocturna. En aprendizaje y evolución constante. Compartiendo todo lo que sé, y aprendiendo de los que saben. Puedes ver más de lo que hago en El Blog de Fuksy.

Fuente: Dzoom

Cómo Ajustar el Balance de Blancos en Photoshop con una Tarjeta de Grises

Por Jose Luis Rodriguez

Una de las mejores maneras de garantizar un correcto balance de blancos es mediante el uso en la escena de una tarjeta de grises. Gracias a este accesorio podemos realizar un ajuste muy fino de la temperatura del color en nuestras fotos, consiguiendo unos tonos impecables.
¿Quieres saber cómo utilizarla y cómo realizar posteriormente los ajustes en Photoshop? En las siguientes líneas te desvelo su uso.

Antes de nada, ¿qué es exactamente una tarjeta de grises?

La tarjeta gris es una cartulina impresa en gris neutro cuya principal propiedad es la de reflejar el 18% de la luz que recibe.
Suele venir acompañada de otras cartulinas similares en blanco y en negro (como es el caso de la que aparece en las fotos que ilustran el artículo) o en una única cartulina en la que también aparecen el blanco y el negro para disponer de más referencias.

Haciendo las fotos con la tarjeta de grises

Para hacer las fotos en la sesión busqué una ubicación en la que ya sabía que, por su iluminación, me iba a presentar problemas.
Se trata de una estancia en la que existen varias fuentes de luz y en la que la iluminación principal es bastante cálida, dando un aspecto amarillento-rojizo a la piel.
Simplemente tomé unas fotos situando la tarjeta de grises en la escena utilizando la iluminación original, de forma que pudiera disponer de una muestra cogida con la tarjeta de grises.
Una vez tuve en mi cámara la foto de referencia tomé el resto de las fotos de la sesión sin la tarjeta de grises.

Ajustando la temperatura del color mediante curvas en Photosop

Al abrir en Photoshop una de las fotos en la que aparecía la tarjeta de grises en la escena pude comprobar como, a simple vista, el ajuste del balance de blancos era necesario, ya que la fotografía contaba con unas tonalidades muy anaranjadas.
Independientemente de lo que nuestros ojos nos hagan pensar, debemos medir las tonalidades, y para ello la herramienta de cuentagotas es una excelente opción.
Simplemente debes seleccionar la herramienta cuentagotas y marcar los puntos correspondientes en la tarjeta de grises.
En la ventana de información verás como, aunque esta tarjeta se caracteriza por contar con valores RGB similares (para cada una de ellas, R=G=B), en la práctica vemos que no se corresponde con los valores obtenidos. El culpable es el incorrecto (por el momento) balance de blancos de la foto.
Para solucionarlo vamos a utilizar la herramienta de curvas de Photoshop.
Crea una nueva capa de curvas (Capas > Nueva capa de Ajuste > Curvas) y en ella selecciona el cuentagotas de los grises (el del medio de los tres) y toma una muestra de la carta gris.
Al hacerlo, automáticamente la fotografía adquirirá una tonalidad mucho más adecuada.
Si solo tuviéramos la tarjeta gris (no acompañada de la blanca y la negra), nuestro proceso terminaría aquí. Pero como vemos, con el ajuste de la curva a través del cuentagotas solo hemos conseguido igualar una de las referencias (aunque las otras se acercan bastante).
Pero es un excelente punto de partida para poder realizar el resto de los ajustes a mano sobre las curvas. Para ello simplemente debemos definir nuevos puntos en las curvas de cada canal para realizar un ajuste más fino.
Tras esos ajustes veremos que podemos conseguir unos valores más igualados en cada una de las muestras.

Aplicando los ajustes en otras fotos de la misma sesión

La clave de este método es poder utilizar los ajustes en el conjunto de las fotos que tomemos en la sesión.
Para ello, nada tan fácil como guardar el ajuste de las curvas que hemos realizado y aplicarlo en las fotos que deseemos.
Para guardar el ajuste, en la ventana de curvas aparece un botón un poco escondido. Al pulsarlo se despliega un menú que nos permite guardar y cargar ajustes de curvas.
Una vez guardados los valores, simplemente podemos aplicarlos de forma individual sobre las fotos que queramos creando una nueva capa de curvas y cargando los valores, o sistematizarlo mediante la creación de una acción en Photoshop o ejecutando un lote sobre un conjunto de fotografías.
Sencillo, ¿verdad?

Fuente: Dzoom

Cómo Ajustar el Balance de Blancos en Fotografía Nocturna de Larga Exposición, un Ejemplo Práctico

Por autor invitado

Miguel Lucas: Más consejos interesantes para la fotografía nocturna de larga exposición de la manos de Fusky (Iván Sánchez) Hoy toca una interesante reflexión sobre el balance de blancos hoy quisiera traeros un ejemplo para comprender mucho mejor el tema del WL, las diferentes fuentes de iluminación, el efecto de los geles y sus resultados sobre una misa fotografía.

¿Cuál es la Configuración Ideal?

Cuando queremos una imagen con tonalidades frías, como por ejemplo acentuar el azul del cielo, vamos a necesitar bajar de los 4000ºK de temperatura de color. Si tu cámara no dispone de la posibilidad de configurar los grados Kelvin, para fijar la temperatura alrededor de los 4000K, deberás seleccionar el balance de blancos a tipo tugsteno (tubo fluorescente) (gracias @manel_clotet). Al realizar este ajuste, todo lo que refleje o emita luz, tenderá a salir con un tono azulado.
Es por eso, que si ponemos un WL frío, y cogemos una luz azul (flash, linternas de leds? etc), obtendremos un "tono pitufo" que quizás no sea el deseado. Para solucionar este gran problema, tendremos dos opciones, o bien iluminar con una luz amarilla, por ejemplo Xénon, o bien subir los grados Kelvin (por encima de esos 4000K).
Pero si lo que queremos es mantener el cielo lo más azul posible, y obtener un cierto contraste con las partes iluminadas, tendremos que mantener la temperatura fría, e iluminar con una luz amarilla. O bien filtrar una luz azul.
Para que lo entiendas mejor, vamos a verlo sobre un ejemplo. Nuestro flash emite luz fría. Para compensarlo, podemos poner un gel CTO (1/4,1/2, o un full, dependiendo de la cantidad de luz amarilla que queremos emitir). Si por el contrario queremos tener unos tonos cálidos, aumentaremos la temperatura, por encima de 4000ºK, o elegiremos el tipo de luz de sol en los presets del balance de blancos de la cámara para quienes no tengan la opción de regular los grados Kelvin, e intentaremos iluminar con una fuente de luz azul, para obtener un contraste entre el rojo de la temperatura, y el azul de la luz.
Y aquí viene la excepción, al menos para mi gusto. Frío + azul = "Pitufo", pero caliente + amarillo= Dramático. Pero para verlo más claro, vamos a ver el ejemplo que os traigo.

El Ejemplo

Ilustrando el artículo puedes ver un total de tres fotografías con diferentes configuraciones. La primera imagen, se ha obtenido con una temperatura fría, y un flash sin filtrar. El resultado que podéis observar es azul, azul. A mí no me gusta nada de nada.
En la segunda imagen, para rectificar el error, he filtrado el flash con un CTO. Y así hemos obtenido una imagen con un cielo azul (no así las nubes, manchadas por la contaminación lumínica, aunque se han corregido gracias a los grados Kelvin), pero la torre está perfectamente contrastada, con un agradable tono cálido, que consigue separar la torre de la escena, dándole mayor protagonismo si cabe.
Y la tercera imagen, la he tomado para ver la excepción comentada en el anterior punto. Se ha subido la temperatura de color a 5500º aprox., y se ha iluminado la escena con el mismo flash filtrado con un CTO. A mí me transmite cierto aire de dramatismo, ayudado sin duda por las nubes y por la luna. Pero el color global de la imagen de por sí, ya transmite otro sentimiento.
Lo que he pretendido con este ejemplo, es que vierais los diferentes efectos que se consiguen regulando el balance de blancos e iluminando con diferentes tipo de luz. Ahora eres tú el que elige qué quiere transmitir.

Fuente: Dzoom

Tu Próximo Objetivo: ¿Por Qué No Un Focal Fija?

Por Javier Lucas

Cuando uno compra una cámara réflex deja pasar un tiempo, por el importante desembolso realizado, antes de empezar a pensar en aprovechar las posibilidades que le ofrece este tipo de cámaras en lo que a cambio de objetivos se refiere.Entonces aparecen preguntas como las siguientes: ¿qué objetivo debo comprarme?, ¿en qué focales estoy pensando?, ¿debo optar por un focal fija o un objetivo zoom?, ¿muy luminoso?, ¿macro?...Con respecto a la pregunta de si fijo o zoom, puede parecer ridículo el optar por un objetivo de focal fija, pues se trata de un objetivo mucho menos versátil. Sin embargo, hoy voy a demostrarte cómo adquirir un objetivo de focal fija puede ser una excelente idea para convertirse en el primer objetivo no de kit que acoples a tu flamante réflex.

¿Cómo es posible que un objetivo con una única focal sea una alternativa mejor que otro que, además de la focal del primero, ofrece al fotógrafo la posibilidad de seleccionar otras?
Esta pregunta que inicialmente puede parecer absurda la vamos a responder con una serie de aspectos fundamentales sobre los objetivos de focal fija que veremos a continuación.
Concretamente, vamos a hablar de uno de los objetivos más populares y que hace tiempo era el objetivo que por defecto traían las cámaras analógicas. El objetivo normal o, como se le conoce en inglés, 'standard lens'.

Objetivo Normal (Standard Lens)

Es un objetivo clásico y muy conocido entre la comunidad fotográfica, cuya focal, fija, se sitúa en los 50mm.
Ofrece una visión idéntica a la que proporciona el ojo humano, por lo que no comprime distancias entre objetos como los teleobjetivos, ni las amplía como los angulares.
Cuando decimos 50mm, hablamos, por supuesto, sobre cámaras con sensor de 35mm (Full Frame). Es decir, si tienes una Canon APS-C o Nikon DX, tendrás que considerar el factor multiplicativo de los sensores de dichas cámaras, con lo que deberás irte a focales entre los 28-35 mm.
Y ahora que ya conocemos el tipo de objetivos de focal fija a los que nos referimos, veamos cuales son las ventajas que pueden hacer que nos decantemos por estos objetivos como nuestra próxima compra.

#1 Imágenes "Normales" y Mucha Más Luz Para Tu Sensor

Ya lo hemos dicho, estos objetivos reciben este nombre porque ofrecen al fotógrafo la posibilidad de captar una imagen de modo similar a como la captaría el ojo humano.
Si buscas efectos a nivel de perspectiva, este objetivo no es el que deberás utilizar. Ya que se limita a mostrar la realidad tal cual la ve el ojo humano. Ni más, ni menos.
Eso sí, podrás variar la profundidad de campo a tu antojo, pues suelen ser objetivos bastante luminosos.
Su menor número de cristales y su mayor facilidad de construcción hacen que los objetivos de focal fija ofrezcan aperturas máximas muy superiores a las ofrecidas por objetivos zoom.
Frente a aperturas máximas de f/4, que permiten la mayoría de zooms de kit cuando se ha fijado su focal en la posición de 28-30mm, los objetivos de focal fija pueden llegar a aperturas máximas de f/2, f/1.8, e incluso f/1.4.
¿Para qué queremos eso? Pues para lograr preciosos bokehs, para poder reducir la sensibilidad ISO lo máximo posible. En definitiva, para que la ausencia de mucha luz no sea un limitante de cada toma.

#2 Ligero, Discreto y de Gran Calidad

Es un objetivo fabuloso para acompañarte dentro de tu mochila en todas tus salidas.
¿Por qué? Pues porque las menores dificultades que entraña su construcción hacen que sean objetivos ligeros, de tamaño reducido y muy sencillos.
Eso sí, la sencillez y el reducido tamaño no significan que la calidad que ofrecen estos objetivos deba menospreciarse.
De hecho, el poder concentrarse exclusivamente en ofrecer buenos resultados para una única focal, hace que sean objetivos cuya nitidez destaca por encima del resto.
Por no hablar de los numerosos tipos de aberraciones (cromáticas, geométricas, etc.) que surgen en la inmensa mayoría de zooms y cuya aparición en objetivos de focal fija es mínima.

#3 Te Convertirá en Un Mejor Fotógrafo

Precisamente, la ausencia del anillo de zoom, hará que cuando montes este tipo de objetivos en tu cámara tengas que "moverte" más para tus tomas, exprimir tus habilidades compositivas y preparar más cada fotografía.
Esto, sin duda, hará que cada fotografía sea especial y evitará el aburguesamiento que produce en el fotógrafo la posibilidad de rellenar el encuadre de cada fotografía con sólo variar la posición del zoom.
Créeme, empezarás a pensarte mucho más las fotografías y a tener en cuenta elementos que con tu objetivo zoom obviabas.

¿Quieres Probarlo? Prueba a Mantener El Zoom De Tu Objetivo Inmóvil

¿Quieres experimentar qué se siente con uno de estos objetivos antes de decidirte a desembolsar el dinero que supone su adquisición?
Pues acopla el objetivo zoom a tu cámara y mantén invariable el valor de la distancia focal en un valor equivalente al de la focal del objetivo fijo que comprarías.
Es cierto, no dispondrás de la mayor nitidez y luminosidad de las que hemos hablado, pero, al menos, podrás probar qué es lo que se siente sin poder variar la posición del zoom.
Permanece así durante un cierto tiempo (varias semanas o varias salidas fotográficas) y, si te gusta la experiencia, entonces, ¿por qué no comprar tu propio objetivo de focal fija y pasar a disponer de todas las posibilidades que te ofrece un objetivo de este tipo?
¿Ya estás decidido y quieres que te proporcionemos algún ejemplo de este tipo de objetivos? Está bien, a continuación te hablaré de 3 objetivos de este tipo. ¡Presta atención!

3 Objetivos Normales Como Ejemplo

Por supuesto, no son, ni los mejores, ni los únicos. Son, simplemente, tres objetivos de este tipo. Te servirán como punto de partida si, finalmente, te decides a adquirir el tuyo.

• Canon EF 28mm f/2.8
• Nikon 35mm f/1.8G AF-S DX
• Sigma 30mm F1.4 EX DC HSM

En el caso de los dos primeros, son objetivos bastante asequibles y serían excelentes alternativas. En cuanto al Sigma, es una opción superior, con un mecanismo de enfoque mejorado y una mayor apertura. También, como es lógico, con un mayor coste.
En cualquier caso son sólo ejemplos. Si al final te decides por comprar el tuyo, te recomiendo que antes "peines" el mercado hasta encontrar el objetivo más adecuado para tu presupuesto, necesidades y, por supuesto, compatible con tu cámara.
¿Y tú qué?, ¿ya adquiriste tu objetivo "normal"?, ¿tienes alguna recomendación, consejo, reflexión al respecto?, ¿dudas o preguntas sobre alguna posible compra?, ¿nos las cuentas?...


 

10 Estupendos Consejos para Hacer Fotos a Mascotas

Por Jose Luis Rodriguez

¿Has intentado alguna vez hacer fotos a una mascota? A priori puede parecer una tarea sencilla, pero si lo has intentado habrás visto que no es tan fácil como pudiera parecer. Sobre todo si la mascota no es tuya. Los retratos de mascotas tienen cosas en común con los bebés o los niños pequeños. Ese factor de descontrol en las sesiones hace que no siempre puedas hacer las fotos como te gustaría. Yo también lo he sufrido alguna vez. Por ello he querido recoger en este artículo 10 consejos para que puedas hacer mejores fotos a tu mascota o a la de algún familiar o amigo si se te presenta la ocasión. ¿Te animas?

Prepara tu equipo antes

Cuando se trata de hacer fotos a mascotas, si estás trabajando en una sesión programada, dispondrás de un tiempo limitado. antes de que la mascota se canse de la sesión fotográfica.
Por ello, es básico que cuentes con tu equipo fotográfico listo, de modo que cuando vayas a empezar a trabajar, simplemente saques la cámara y empieces a disparar.
Si vas a hacer las fotos en una estancia preparada para la ocasión, ten también todo listo. Cuando empieces a hacer fotos verás que el tiempo pasa muy rápido, por lo que todo lo que puedas tener avanzado te liberará para hacer más fotos.

Planifica tu sesión fotográfica

Planificar tu sesión es un elemento fundamental en este tipo de fotografía. Como te decía en el punto anterior, contarás con un tiempo limitado antes de que la mascota se canse de la sesión fotográfica, y si no eres ordenado, es probable que no cumplas con tus objetivos.
Piensa que tipo de fotos te gustaría hacer, apuntalas en una lista, y sigue ese guión durante tu sesión de modo que cubras la mayor parte de ellas (idealmente, todas).

Procura que esté cómoda

Como habrás supuesto si no te has enfrentado a una situación así, los perros, gatos y demás mascotas tienen un cierto parecido a los bebés y a los niños pequeños. Son impredecibles en su comportamiento, y en la medida que estén tensos, la sesión no funcionará.
Por este motivo, trata de no incomodar a la mascota.
Una manera de que se sienta más cómoda si se encuentra fuera de su entorno habitual es contar con algún elemento que use para sus juegos. Habla antes con sus dueños para ver que elementos pueden llevar a la sesión de modo que el animal esté distraído.
Otra cosa que ayudará es que los propios dueños estén contigo en la sesión, de modo que los animales sientan que sus seres cercanos están con ellos.

Trata de recoger su personalidad

Puede parecer una tontería, pero los animales en general son muy expresivos.
Simplemente los ojos o las orejas pueden transmitir muchísima información a la hora de hacer este tipo de retratos a mascotas. La forma de mirar, si tienen las orejas levantadas, ... Dedica un poco de tiempo al principio a observar al animal y rápidamente descubrirás cual es su estado de ánimo durante la sesión. Y con ello, trata de sacar lo mejor de sus expresiones.

Utiliza la luz natural

Si puedes, utiliza la luz natural a la hora de hacer fotos.
Las fotos hechas con luz natural simplifican el control de nuestro equipo, haciendo que no nos tengamos que preocupar más que por nuestra cámara y la propia mascota.
Y si usas luz natural, procura que no incida directamente sobre el animal para que no genere sombras indeseadas.
Lo mejor es hacer este tipo de fotos a la sombra, siempre que las condiciones de iluminación sean suficientes para hacer las fotos con garantías.

Si puedes, evita el flash

Antes te comentaba que era bueno que hicieras todo lo posible por que el animal se sintiera cómodo.
Pues si hay algo que pueda inquietar a una mascota dentro de tu equipo fotográfico, sin duda ese es el flash.
En mi experiencia, siempre que he tratado de usar el flash haciendo fotos a perros o gatos la cosa no ha funcionado. Y es que parece que por lo general no están demasiado acostumbrados a los fogonazos de luz.

Enfoca a los ojos

Como en cualquier otra modalidad de retrato, enfocar a los ojos es una buena práctica.
Nuestra atención se centra inconscientemente en la zona enfocada de la foto, y si los ojos no están bien enfocados sentiremos una sensación incómoda al mirar la foto.
Otra cosa es que queramos centrar la atención en otra parte de la fotografía y desenfoquemos conscientemente los ojos para que nuestra atención se centre en esa otra parte. Se trata de un elemento compositivo muy recurrido y es perfectamente válido.

Ponte a su nivel

Muchas veces tendemos a hacer las fotos de pie, con la cámara a la altura de nuestros ojos.
Si estamos fotografiando una mascota, seguramente hacemos esa foto mirando con nuestra cámara hacia abajo.
Prueba a agacharte con tu cámara y ponte a la misma altura que el animal. Con ello conseguirás reforzar la sensación de cercanía con él.

Prueba con un teleobjetivo

Como ya te he comentado, los animales son impredecibles en su comportamiento.
Si te acercas demasiado a ellos con tu cámara, es posible que despiertes demasiado su atención y curiosidad y quiera investigar tu material fotográfico, haciéndote perder el encuadre e incluso poniendo en peligro la integridad de tu equipo.
La otra reacción más habitual es que el animal se asuste, con lo que la sesión tampoco funcionará como tu quieres.
Usando un teleobjetivo podrás centrarte en los detalles sin incomodar a la mascota, consiguiendo muy buenas fotos de una manera cómoda y segura.

Ten paciencia

Ya te lo decía al principio. Las sesiones de fotos a mascotas tienen muchas cosas en común con las fotografías de bebés y de niños pequeños.
No son los modelos más dóciles para hacer retratos. Raramente obedecen, con lo que tienes que ser rápido con la cámara y armarte de paciencia.
Probablemente éste último sea el mejor de los consejos. Ten paciencia. Prepárate psicológicamente para la ocasión, respira hondo, cuenta hasta diez y... ¡a hacer buenas fotos!

¿Crees que me he dejado algún consejo?

Seguro que te has visto alguna vez en una situación parecida y al leer este artículo te ha venido a la cabeza algún consejo que no te he dado.
Ayúdame a completar la lista y cuéntame qué otros consejos darías a la hora que hacer fotos a mascotas.

Fuente: Dzoom

Básicos de Photoshop: La Barra de Herramientas (IV)

Por Javier Lucas

No, aún no hemos acabado con todas las numerosísimas funcionalidades que Photoshop ofrece a través de su Barra de Herramientas.

Así que, en el artículo de hoy, seguimos desvelando las enormes posibilidades de edición que esta aplicación podrá ofrecer a tus fotos. Hablaremos sobre herramientas como el Degradado, el Bote de pintura, otras que te permitirán enfocar o desenfocar tu imagen, variar la exposición, etc.

Si quieres seguir enterándote de todo lo que te ofrece la Barra de Herramientas de esta genial aplicación, no debes perderte este artículo, como imagino que habrás hecho con los tres anteriores ;)

Recapitulando...

Efectivamente, ya llevamos algunos artículos hablando sobre el tema. Concretamente, 3. A través de los que hemos cubierto un total de 31 herramientas. Y aún queda...
A modo de resumen, aquí te dejo las herramientas que hemos cubierto en los distintos artículos:

• La Barra de Herramientas (I): marcos de selección, otras herramientas de selección, recortar, selector, cuentagotas, regla...
• La Barra de Herramientas (II): pinceles correctores y parche, pincel, lápiz, pincel mezclador...
• La Barra de Herramientas (III): tampón de clonación, pinceles de historia, borrador, borrador mágico, borrador de fondos...

Parece mentira que aún queden herramientas de las que hablar, ¿verdad? Pero, así es, de modo que ¡manos a la obra!

#12 Herramienta Degradado y Bote de pintura (G)

Probablemente dos de las herramientas que antes empieza uno a manejar en programas de dibujo son estas herramientas: degradado y bote de pintura.
Seguro que las has utilizado, ¿no?, ¿seguro? Veamos cómo funciona cada una de ellas y verás como, en más de una ocasión, has empleado estas herramientas o similares.
Partiremos de una imagen en la que hemos seleccionado el fondo previamente con la herramienta de selección rápida.
Si tras realizar esta selección aplicamos el bote de pintura sobre el área seleccionada, podríamos lograr un resultado como el que te muestro a continuación.
Como puedes ver, cuando haces uso de esta herramienta, existen algunas propiedades que determinarán la forma en que se aplica:

• El Color (Frontal) o trama (Motivo) con que se rellenará la selección.
• El Modo de fusión con que se aplicará el bote sobre la capa actual.
• La Opacidad o intensidad de la aplicación de la herramienta.
• La Tolerancia (0 - 255). Esta herramienta actúa sobre todos aquellos píxeles de una determinada selección que son semejantes a aquel sobre el que se aplica. La tolerancia es el grado de semejanza admitido. El valor 0 indicará que se aplique sólo a píxeles del mismo color, mientras que el 255 hará que se aplique a todos los píxeles sin importar el color.
• Suavizar los bordes que se generarán al aplicar la herramienta.
• La opción Contiguo hará que sólo se aplique la herramienta a píxeles adyacentes.
• A la hora de determinar el color de los píxeles sobre los que se actúa, se podrá indicar que sólo se tengan en cuenta la capa sobre la que se está aplicando el retoque, o bien sobre el conjunto de capas a través de la opción "Todas las capas".

Pero si lo que buscas no es un color sólido, sino una evolución entre dos colores, por ejemplo. Lo que necesitas es hacer uso de la herramienta degradado.
Échale un vistazo a la siguiente imagen para que veas lo que puedes conseguir con esta herramienta.
Entre sus opciones podrás:

• Seleccionar los colores del degradado. Por defecto, el frontal y el de fondo (en la imagen: Negro y Blanco), aunque también podrás utilizar degradados definidos a través del desplegable de las opciones.
• Elegir entre el tipo de degradado: circular, lineal, progresivo...
• El Modo de fusión con que aplicar la herramienta sobre la capa actual.
• El nivel de Opacidad o intensidad del efecto.
• Y otros parámetros sobre cómo conseguir el degradado tales como: Invertir, Tramado y Transparencia.

Como puedes ver, los resultados que se obtienen son muy artificiales y pocas veces usarás estas herramientas para conseguir imágenes como las que hemos visto.
Pero sí serán fundamentales para aplicarlas sobre máscaras de capa que definan sobre qué regiones aplicar un determinado ajuste. Un uso mucho más realista de la herramienta, ¿verdad?
Pues ya sabes, recuerda bien estas herramientas, porque en conjunción con las máscaras de capa serán ampliamente utilizadas en muchos de tus retoques.

#13 Herramientas Enfoque, Desenfoque y Dedo

Las siguientes herramientas que Photoshop te ofrece te permitirán variar el grado de enfoque de las zonas sobre la que apliques cada una de las herramientas.
Como hicimos en el ejemplo anterior, partamos de una imagen y veamos cómo aplicar cada una de estas herramientas.
La imagen que te dejo a continuación tiene un claro problema de enfoque a nivel generalizado. Pero éste se hace patente de forma especial en la zona de los ojos.
Pues bien, a través de la herramienta Enfocar (la del "triangulito") podríamos conseguir, algo como lo siguiente.
Donde, como ves, se ha mejorado el nivel de enfoque de los ojos. Lo sé, el resto del rostro también agradecería un mayor nivel de enfoque. Pero no te quedes ahí. ¿Has observado la clara mejoría entre el antes y el después del uso de la herramienta?
En cuanto a los parámetros que posibilitan controlar el funcionamiento, tanto de esta herramienta como de su antagónica (la de desenfoque, la "gotita"), son los siguientes:

• Tamaño y tipo de pincel con el que se aplicará el enfoque o desenfoque.
• Modo de fusión del efecto.
• Intensidad del ajuste, en este caso del enfoque o desenfoque.
• La posibilidad de Muestrear todas las capas a la hora de aplicar el enfoque/desenfoque o no. En realidad el enfoque no es más que una ampliación del contraste y para ello deben evaluarse los colores de los píxeles donde se aplica. Con esta opción no sólo se considera el color de cada píxel en la capa sobre la que se aplica la herramienta, sino el color de dicho píxel como composición de todas las capas.

El funcionamiento de la herramienta enfoque sería análogo, aunque con un resultado contrario.
Pero, ¿qué hay de la herramienta Dedo? El nombre no es muy descriptivo, ¿no?
Pues bien, esa herramienta te permitirá "deformar" una imagen y arrastrar un conjunto de píxeles a lo largo de la fotografía.
Mira lo que he conseguido haciendo uso de ella.
En mi opinión, al margen de para "jugar" un poco con tus imágenes, francamente no le veo ningún tipo de aplicación seria a esta herramienta.
Para terminar con este grupo de herramienta, déjame que te diga que, salvo para casos muy puntuales, no recomiendo su uso.
Es preferible controlar el grado de enfoque de una fotografía mediante máscaras de capa (para definir las zonas sobre las que aplicar) y filtros de enfoque o desenfoque, según corresponda.
Así será más fácil controlar el nivel de aplicación y podrás hacer y deshacer de modo más sencillo. ¿O acaso no recuerdas cómo mejorábamos, por ejemplo, las distintas zonas de un rostro mediante la aplicación de distintas máscaras de capa en función de la zona a tratar?

#14 Herramientas Sobreexponer, Subexponer y Esponja

Si las herramientas anteriores nos permitían trabajar sobre el grado de enfoque de la zona de la imagen sobre la que las aplicásemos, Sobreexponer y Subexponer, como su nombre indican, nos permiten variar la exposición de la imagen.
Su modo de empleo es muy sencillo. Veamos un ejemplo. En la imagen siguiente se aprecia un claro defecto de exposición. La imagen general está subexpuesta, pero esta subexposición es especialemente acusada en el niño.
Haciendo uso de la herramienta Sobreexponer (O), podremos recuperar la imagen. Para ello la aplicaremos sobre el niño definiendo las características que te indicaré a continuación y cuyo resultado puedes ver en la siguiente imagen.
Como puedes ver por las zonas seleccionadas en la anterior captura, existen una serie de propiedades que podrás variar en función del resultado final que desees obtener:

• El tipo y tamaño de pincel.
• Los píxeles que vas a sobreexponer: Sombras, Medios tonos o Iluminaciones.
• El nivel de incremento de la Exposición que deseas aplicar.
• El modo aerógrafo, para que, en caso de mantener presionado el ratón, el efecto de sobreexposición se vaya aplicando progresivamente.
• La opción de proteger los tonos.

Si en lugar de desear subir la exposición de una determinada zona estuvieses interesado en reducir ésta (subexponer), podrías hacer uso de la herramienta Subexponer (O), disponiendo de idénticas propiedades a las vistas para su herramienta antagónica.
¿Y qué hay de la Esponja (O)? Lógicamente, esta herramienta ya no actúa sobre la exposición de la imagen (eso está cubierto plenamente por Sobreexponer y Subexponer).
La Esponja es una herramienta que te permitirá variar el nivel de saturación de aquellas zonas sobre las que la apliques.
Veamos un ejemplo, en el que, a través de esta herramienta, he desaturado el fondo de la imagen y la piel del niño, de modo que lo único que tiene color es la camiseta.
Con esta herramienta también podrás seleccionar una serie de propiedades a la hora de aplicarla y, de este modo, definir su comportamiento. Éstas son:

• Tamaño y tipo de pincel a emplear.
• Modo: Desaturar o Saturar.
• Flujo o intensidad de la aplicación del efecto en cada pasada sobre la zona.

Como ya te comenté cuando hablamos sobre las herramientas Enfoque y Desenfoque, no soy muy partidario del empleo de este tipo de herramientas, salvo que deseas aplicar una corrección muy puntual y en la que no haya margen de error.
De lo contrario, es preferible aplicar una capa de ajuste, en este caso de Exposición o de Tono/Saturación, y, a través de una máscara de capa, definir la zona sobre la que aplicar este ajuste.
No obstante, creo que siempre viene bien conocer este tipo de herramientas por si, puntualmente, necesitas hacer uso de ellas.

Aún No Hemos Terminado...

Si te las prometías felices al inicio de este artículo, pensando que tras él ya podríamos decir adiós a la serie sobre la Barra de Herramientas, me temo que aún es demasiado pronto.
Tras las 8 nuevas herramientas que hemos visto hoy, aún queda mucho por descubrir. Me atrevería a decir que aún nos quedan, al menos, dos artículos más al respecto.
Como se suele decir, tiempo al tiempo. Practica con las herramientas que hemos cubierto hoy y en los artículos precedentes, y, cuando menos lo esperes, te hablaremos sobre nuevas herramientas como la pluma, herramientas de texto, herramientas geométricas...
Pero, eso será, en el próximo episodio. ¡Nos vemos!