Todos los Secretos de los Modos de Fusión de Capas en Photoshop (Parte 1)

Por Javier Lucas

La existencia de distintas capas en Photoshop y la posibilidad de fusionar éstas, y hacerlo de diversas formas, es, sin duda, una de las principales características de esta aplicación de retoque.

Si has trabajado mínimamente con Photoshop, habrás visto que a la hora de fusionar varias capas existe la posibilidad de elegir diferentes métodos de fusión: Normal, Multiplicar, Disolver, etc.

El objetivo del artículo de hoy es descubrirte cómo se comportan estos métodos de fusión y cuándo podrás usarlos en tus tareas de retoque con Photoshop, ¿te interesa?

Haciendo un recuento de las distintas opciones de fusión que existen en Adobe Photoshop CS3 me salen, ni más ni más menos, 25 variantes de fusión.

Pero antes de hablar de ellas, lo primero será saber cómo acceder a estas variantes y cambiar entre uno y otro modo de fusión, ¿no?

¿Cómo Acceder y Cambiar el Modo de Fusión de Capas?

Para acceder a las distintas variantes de fusión que puedes elegir en Photoshop basta con hacer clic en Ventana > Capas, o bien presionar F7.

En dicha ventana, verás que al seleccionar cada capa, si es que hay varias, puedes elegir el modo en que se fusiona con el resto de capas que componen la imagen.

Eso sí, ten en cuenta que el modo de fusión no tiene por qué ser el mismo para todas las capas.

Por tanto, para cambiar el modo de fusión de una determinada capa: primero, selecciona la capa a la que modificarás el modo de fusión y, segundo, elige, de entre las opciones que muestra el desplegable, aquélla que consideres oportuno.

Una vez que has visto cómo modificar el modo en que se fusiona una capa, ahora sí es momento de ver las peculiaridades y utilidad de cada uno de los modos de fusión.

De ahora en adelante identificaremos como "capa fusionada" a la capa superior sobre la que modificamos el modo de fusión y "capa de fondo" a la capa (o capas) inferior, cuyo modo de fusión no alteraremos.

#1 Modo Normal

El uso de este modo hace que la capa fusionada oculte a la/s capa/s de fondo.

No obstante, es habitual usar este modo de fusión junto con una modificación del valor de Opacidad de la capa, de manera que "se deja ver" mayor o menor información de la capa de fondo en función del grado de Opacidad.

Como puedes ver en la imagen superior, un menor valor de Opacidad de la capa fusionada conlleva "mayor peso" de la capa de fondo en la imagen resultante. En este caso, el resultado final tiende más a Negro que a Blanco.

Otro uso habitual de este modo de fusión, en este caso junto con una máscara de capa, es cuando quieres lograr lo que se conoce como fusión con gradiente, de manera la opacidad de la capa fusionada se va desvaneciendo, dando así paso a la vista de la capa de fondo.

#2 Modo Disolver

Al igual que el modo anterior, éste es un modo que no se entiende sin el uso conjunto con el valor de Opacidad.

Este modo mezcla, de forma aleatoria, los pixels que componen la capa fusionada y la capa de fondo, de modo que el valor de opacidad determina la preponderancia de los pixels de la capa fusionada frente a la de fondo.

Mejor te muestro unos ejemplos como antes, ¿no crees?

El reparto de pixels es aleatorio a lo largo de toda la superficie. Eso sí, a medida que disminuye el valor de Opacidad de la capa fusionada, la presencia de pixels de la capa de fondo se acentúa.

Este modo de fusión puede ser una buena idea para matizar y difuminar efectos que de otro modo resultarían muy burdos.

#3 Modo Oscurecer

Con este modo, Photoshop evalúa el valor de cada pixel en la capa fusionada y en la de fondo y se queda con el más oscuro. Puedes verlo en la imagen de la derecha.

Como ves, cada pixel de la imagen resultante es el más oscuro de los presentes en las dos capas.

El principal uso de este modo de fusión es, sin duda, el de combinar distintas máscaras de capa y así crear una única, que enmascare la parte de imagen que enmascaran ambas máscaras por separado

De este modo, la máscara de capa resultado permitirá no actuar sobre aquellas regiones que no se han seleccionado en una u otra capa.

O lo que es lo mismo, sólo se actuará sobre aquellas regiones seleccionadas (pintadas de blanco) en ambas capas.

#4 Modo Aclarar

Es el modo inverso al anterior. En este caso, la imagen resultante se compone a partir de los pixels más claros de las dos capas.

En este caso, la imagen de la derecha muestra como el blanco prevalece sobre el negro y en caso de estar presente en, al menos, una de las dos capas, se muestra en la imagen resultado.

En cuanto a su uso práctico, nuevamente es empleado para la combinación de máscaras de capa.

En este caso el resultado final sería una máscara de capa que actuaría sólo sobre aquella porción de imagen seleccionada (con color blanco) en una u otra capa. Sería un "OR" lógico.

Por su parte, si hubiésemos hecho uso del modo Oscurecer lo que haríamos sería mantener, en la máscara de capa resultante, activas aquellas porciones de la imagen que han sido seleccionadas (con color blanco) en ambas capas. Sería un "AND" lógico.

#5 Modo Multiplicar

Matemáticamente lo que hace este modo es multiplicar el valor de cada pixel de la capa fusionada por el valor del pixel correspondiente de la capa de fondo y este valor se divide entre 255 (valor del blanco), conllevando generalmente un oscurecimiento de la imagen resultante.

La imagen resultante estará compuesta por pixels más oscuros que el valor más oscuro de cada pareja de pixels de la capa fusionada y la capa de fondo.

Salvo que el valor de alguno de estos pixels sea 255 (blanco), en cuyo caso el resultado será el valor del pixel de la otra capa, o bien 0 (negro), en cuyo caso el resultado será 0 (negro).

Como puedes ver en la imagen de la derecha, lo que se logra con este modo es oscurecer el color "más bajo" de los presentes en las capas.

Así mismo, la presencia del negro en una capa se mantiene en el resultado final, mientras que el blanco en una capa hace que se mantenga invariable en la imagen final el color del pixel presente en la otra capa.

El uso habitual de este método se reserva para oscurecer zonas "a priori" más claras o a las que se desea dotar de un mayor grado de detalle.

#6 Subexponer Color

El resultado que se consigue con este modo es, también, oscurecer la imagen original. Aunque este modo ofrece mayor contraste que el modo "Multiplicar".

Otra de las peculiaridades es que este método evalúa el valor de la capa de fondo, de manera que si el pixel de esa capa es blanco, automáticamente el resultado es un pixel blanco y no del color de la capa fusionada.

Esto no ocurre así con la capa superior, en la que si el valor del pixel es blanco, la imagen resultado toma el valor del pixel de la capa inferior como sucedía en el modo de fusión anterior.

El uso de este modo se asemeja mucho al uso del que hemos hablado para el modo Multiplicar. Eso sí, teniendo en cuenta la particularidad del comportamiento de los pixels blancos en la capa inferior.

#7 Subexposición Lineal y #8 Color Más Oscuro

Se trata de otras variantes del modo "Multiplicar" que, nuevamente, permiten oscurecer la capa fusionada.

En este caso, la particularidad es que "Subexposición Lineal" supone una disminución considerable del brillo de la imagen final, mientras que "Color Más Oscuro" realza, si cabe, el brillo que se obtendría con el modo "Multiplicar".

De cara a su uso, como he comentado antes, puedes probar a utilizarlos sustituyendo al modo Multiplicar y ver si la imagen resultante se acerca más a lo que buscas.

#9 Trama

Con este modo lo que conseguimos es el resultado inverso al modo "Multiplicar". Este modo permite, por tanto, obtener un resultado de aclarado de la capa fusionada.

Realmente lo que hace es aplicar el modo "Multiplicar" a los colores inversos al color de la capa fusionada y al de la capa de fondo. Así, el color que se obtiene siempre es más claro que el color más claro de los presentes para cada pixel en ambas capas.

Si se aplica sobre blanco genera blanco, mientras que si se aplica sobre color negro, se obtiene como resultado el color de la otra capa.

Este modo de fusión es el candidato perfecto, por ejemplo, para dar mayor luz y fuerza a los ojos de tus fotografías.

En fotografía de paisaje, o incluso en rostros, también puede servirte para aclarar aquellas zonas que hayan quedado un tanto subexpuestas.

Para ello bastará con duplicar la capa que contiene la zona que quieres aclarar, seleccionar con una máscara de capa la zona subexpuesta y cambiar el modo de fusión de esta capa a modo "Trama".

#10 Sobreexponer Color

Se trata en todos los casos de variantes del modo "Trama".

"Sobreexponer Color" proporciona una imagen resultado más clara y luminosa en la que, como peculiaridad, se incrementa el contraste.

Por su parte, la "Sobreexposición Lineal" ofrece un resultado más suave y con un menor contraste que el que obtendríamos con el modo "Trama".

No obstante, como te comenté con los modos relacionados con "Multiplicar", lo mejor es que pruebes y te quedes con el que más te guste.

Como ves, todos ofrecen una forma de aclarar la imagen, aunque con sus peculiaridades en cuanto a contraste, brillo, e incluso tono.

Continuará...

6 Factores que Ayudan a Centrar la Atención en una http://www.blogger.com/img/blank.gifFotografía

Por Miguel Lucas

Muchas de las decisiones que toman los grandes fotógrafos al ver cómo hacer una determinada fotografía, van encaminadas a resaltar el motivo principal que se pretende fotografiar. El objetivo es conseguir centrar la atención en ese punto en concreto, con el objeto de que la historia que cuenta la fotografía sea clara, sin distracciones. Dominar el arte de centrar la atención es una de las suertes mágicas en fotografía.

Pero ¿cómo se consigue atraer el ojo de nuestro espectador en un determinado punto? Aumentando el llamado Peso Visual del mismo. En el artículo de hoy verás que es más sencillo de lo que piensas y repasaremos juntos... 6 factores clave que potencian el peso visual.

Cómo Llamar la Atención

Si te pregunto, cómo consigues llamar la atención (dar la nota, vamos) si vas caminando por la calle, puede ser que me contestes que, gritando, vistiendo ropas extravagantes, sin vestir... en definitiva, haciendo algo fuera de lo común: diferenciándote del resto. Si te fijas bien, los contrastes atraen nuestra atención. Muchos coinciden al asegurar que se trata de una huella genética de nuestro pasado cazador cientos de años atrás. El ojo persigue el movimiento cuando está todo quieto, el cambio de color en un paisaje de color uniforme, el punto de luz en medio de la oscuridad...

Pues lo mismo sucede en fotografía. El elemento que contrasta, se lleva la atención; el elemento diferente arrastra el ojo hacia sí. ¿Y cómo hacemos "diferente" nuestro motivo principal? Como siempre, no hay reglas absolutas, pero sí existen algunos factores que nos pueden ayudar.

La Atención se Va al Punto Enfocado

Esto no quiere decir que, a partir de ahora, se acabaron las fotos de gran profundidad de campo en las que todo está perfectamente enfocado. Sencillamente quiere decir que uno de los elementos para atraer atención en un punto es hacer que éste sea el único enfocado en la fotografía.

La Atención se Va a Donde Hay Algo

Tiempo atrás te hablamos de la regla del espacio negativo. Pues es precisamente esa regla la que nos va a permitir llamar la atención sobre un motivo. Pon tu motivo en un entorno en el que no haya nada, o en el que no destaque nada, y el ojo buscará tu motivo.

La Atención Busca las Personas y, en Especial, los Ojos

Es una respuesta automática. Cuando hay personas en una foto, la atención se centra fundamentalmente en ellas. Es como si entendiéramos, por defecto, que son los protagonistas en la foto. En especial, vamos a los ojos. Por este motivo es tan importante en los retratos, y en general, que los ojos estén perfectamente enfocados.

La Atención se Centra en el que es Distinto

Dicen en mi tierra que el clavo que sobresale se lleva el martillazo :) Pues más o menos es eso. Fíjate en la foto: un campo lleno de flores rojas y ¿dónde se va el ojo? A por la blanca. Nuevamente el contraste. Esta vez en forma de color.

La Atención se Centra Donde Apuntan las Líneas

Las líneas en fotografía marcan un camino seductor que transmite montones de sensaciones. Y cuando las líneas maestras en una foto convergen en un punto, nuestra atención se centra en él. Así de sencillo.

La Atención Persigue la Luz

En entornos en penumbra en los que hay un haz de luz suele suceder que el ojo se centra en ella. Como si se quedase a la espera de que, a través de ella, algo fuera a llegar. Así, otra de las maneras de centrar la atención en un punto es jugar con la luz que lo ilumina.

Fuente:www.dzoom.org.es

Qué Hacer para Dominar la Luz en Fotografía de Interiores

Por Miguel Lucas

Cómo hacer fotos a

Hoy estoy un tanto purista: te lo aviso.

Todo en fotografía gira alrededor de la luz y tu habilidad para capturarla. Así que, cuanto más compleja, incontrolada y variable sea la luz en una escena, más difícil te va a resultar conseguir una buena instantánea. ¡Oye! A lo mejor eres un maestro ;), pero al común de los mortales nos pasa así.

Y resulta que en interiores, la luz no suele ser suficientemente intensa, pasa por cristales, rebota en múltiples lugares, atraviesa superficies translúcidas de diferentes colores, en determinados puntos hay rayos de luz directa y en otros no... ¡Vamos! un lío. La cosa está complicada. Pero eso no ha sido excusa para muchas y geniales fotografías de interiores. ¿Quieres aprender a dominar los elementos en situaciones como esta? Sigue leyendo y te contaré algunos trucos.

Cuida el Equilibrio de Blancos

En una situación de luz variante se puede dar perfectamente que tu escena tenga áreas de diferente temperatura de color. Equilibrar la escena completa no sólo es misión imposible, sino que si intentas hacerlo en el postprocesado, puedes conseguir resultados irreales. Así que toca elegir: piensa en cuál es el motivo principal de tu instantánea y utilízalo como centro para ajustar la temperatura de color, especialmente si se trata de personas. Has de tratar de que la piel tenga un tono natural: el ojo detecta rápidamente si no es así.

Busca que la Iluminación de tu Motivo sea lo Más Homogénea Posible

En general, trata de evitar que el motivo principal que vas a fotografiar esté iluminado por rayos directos de luz y estos convivan con zonas poco iluminadas. O buscas una foto imaginativa, o te va a resultar muy complicado exponer adecuadamente tu fotografía.

Si la Luz no Acompaña... ¿Por Qué no Convertirla en Protagonista?

Este consejo es muy bueno tanto para interiores como para exteriores. Cuando hago turismo me pasa que me imagino una foto de un determinado monumento y, cuando llego allí, resulta que tengo, por ejemplo, un "maravilloso" contraluz, y no hay manera de que pueda sacar la foto que me imaginé. Pues algo parecido te puede pasar en interiores. Por mucho que te fuerces, muchas veces, no se dan las condiciones para que puedas hacer la foto que tienes en la cabeza.

Sé flexible y humilde. Trata de observar y, más que centrarte en lo que no puedes hacer, trata de descubrir lo que sí. Si la luz no es buena para iluminar del modo que tú quieres... ¿por qué no buscar otro enfoque y convertirla en protagonista.

Evita el Uso del Flash todo lo que Puedas

Eso como principio. Mejor la luz natural. Si hay poca, ayúdate de un trípode. Y si no es posible y tienes que usar flash, rebótalo, y ablanda la luz todo lo que puedas. Evitarás sombras abruptas u objetos planos que no suelen resultar muy interesantes.

Abre Paso a la Luz: Corre Cortinas y Persianas

Parece obvio, pero a veces se nos olvida que podemos conseguir más luz natural en interiores sencillamente abriendo paso a la luz. Subir las persianas es, en multitud de ocasiones, todo lo que necesitas hacer para evitar tener que usar la luz dura y directa de un flash.

Monta el Objetivo Más Luminoso que Tengas

Y utiliza el ISO más alto que tu sensibilidad al ruido te permita tolerar. Haz justo lo que hacen tus pupilas cuando hay poca luz: abrirse al máximo para capturar la mayor cantidad de luz posible.

Si Quieres Fotografiar a Personas, Haz Pruebas Antes Tú Solo

No canses a tus modelos. Vale que las condiciones de luz pueden ser difíciles. Pero no tienes por qué hacer las pruebas que necesitas con ellos allí. Sobre todo si son niños. Deja que jueguen mientras tú reconoces el terreno y haces tus pruebas. Cuando tengas claro los controles, cómo y desde dónde, entonces llámalos para que se incorporen a la escena.

Siempre que Puedas, Espera el Momento Adecuado

Si quieres hacer fotos de tu casa, o de un lugar que hayas tenido oportunidad de frecuentar, observa la luz ambiente en diferentes momentos del día. Compara y elige el momento en que creas que cuentas con la mejor luz. Planifica un poco tu sesión y tus fotos te lo agradecerán. Garantizado.

Fuente: www.dzoom.org.es

Los 5 Ángulos de Disparo Clave en Fotografía

Por Javier Lucas

A menudo te recomendamos en artículos del tipo Cómo hacer fotos a... que es importante variar el ángulo de la toma. Es decir, la posición relativa de la cámara con respecto al objeto fotografiado.

Sin embargo, echando la vista atrás, he podido comprobar que no teníamos ningún artículo en el que te contásemos los distintos ángulos de toma que existen en fotografía, así como el tipo de fotografía en que podrás utilizarlos.

Y digo "teníamos", porque a partir de este artículo ya no podrás decir que no tienes una buena referencia para saber los tipos de ángulos fotográficos que existen y comenzar a llamarlos por su nombre. ¿Te apetece conocerlos?

Por regla general, tendemos a ser muy "comodones" y fotografiar los objetos sin variar nuestra altura y, por tanto, la posición de la cámara.

Sin embargo, en muchas ocasiones puede ofrecer un resultado diferente, atractivo y rompedor el variar nuestra posición y agacharnos, subirnos a algún sitio, situarnos a ras de suelo...

Pues bien, esta variación lo que nos permite es cubrir los difrentes ángulos que existen y que a continuación te detallo.

Ángulo Normal

Como su nombre indica, éste es el ángulo habitual con el que fotografiamos y se caracteriza por establecer una línea entre cámara y objeto fotografiado paralela al suelo.

Proporciona una sensación de estabilidad y tranquilidad, precisamente derivada de originarse a partir de una posición con la que solemos no sólo fotografiar, sino también observar el mundo.

Sin duda, es el tipo de ángulo más empleado y, por ello, cuando lo que vas a fotografiar está más abajo, en muchas ocasiones te recomendamos que te agaches para lograr éste ángulo.

No obstante, como siempre conviene conocer y experimentar en determinadas ocasiones con otros ángulos para ofrecer resultados diferentes.

Ten en cuenta que a veces romper con las normas es lo que hace que una fotografía destaque por encima de otras que reflejan una misma realidad, pero desde una óptica o punto de vista completamente diferente.

Y en este sentido, el variar el ángulo de la toma, es, sin duda, una excelente forma de modificar el punto de vista de un fotografía y el sentimiento que se quiere transmitir.

Ángulo Picado

Este ángulo se produce cuando la cámara se sitúa en un plano superior al objeto fotografiado.

Precisamente esta posición superior también conlleva una situación de inferioridad, vulnerabilidad o debilidad del objeto dentro de la fotografía.

Es habitual en fotografía de niños (como consecuencia de su mayor fragilidad y debilidad), pequeños animales, flores, objetos de pequeñas dimensiones...

No obstante, como ya te he comentado anteriormente, está bien experimentar y cambiar los ángulos. Pasar a emplear, por ejemplo, el ángulo normal en fotografía de niños puede dar resultados muy atractivos.

Ángulo Cenital o Picado Extremo

Cuando la situación de la cámara con respecto al objeto a fotografiar es de extrema superioridad, hasta el punto de situarse en la perpendicular al suelo por encima del sujeto fotografiado, entonces hablamos de ángulo cenital.

Se trata un ángulo que incrementa aún más, si cabe, la sensación de inferioridad. Por otro lado, si el picado centra mucho la atención en el objeto, con el cenital abrimos un poco más el campo y mostramos también el contexto que lo rodea.

Aunque no es muy habitual, puede dotar a tus fotografías de un punto de vista muy particular de la realidad. Si no, observa la foto de la derecha en la que se muestra un plano cenital de los pies.

Ángulo Contrapicado

Si el ángulo picado se consigue situando la cámara por encima del sujeto, el contrapicado lo logramos situando la cámara en una posición inferior al objeto a fotografiar.

Con este ángulo dotamos al objeto fotografiado de mayor importancia, superioridad, magestuosidad y, sobre todo, de una posición dominante frente al observador.

Es un ángulo de toma muy utilizado en fotografía de edificios, pues dota a éstos de mayor grandeza. Aunque también puede ser un recurso para mostrar como superiores a sujetos que se aprecian como inferiores en la realidad, por ejemplo, los niños, las mascotas...

Si a este ángulo además le sumas el uso de una distancia focal corta, además conseguirás incrementar más, si cabe, la sensación de superioridad.

Ángulo Nadir o Contrapicado Extremo

Si la situación de inferioridad de la cámara frente al objeto a fotografiar la llevas al extremo, consigues el denominado ángulo nadir. La cámara se sitúa prácticamente en la perpendicular que une objeto fotografiado y cielo.

Con este ángulo se incrementan al máximo las sensaciones del contrapicado, poniendo al que observa la fotografía en la piel de una "hormiga" para la que todo es enorme y "amenazador".

Su uso se reserva casi exclusivamente para fotografía de edificios, ya que las líneas de éstos dotan de una gran profundidad a las tomas.

Y con estos 5 habríamos cubierto los principales tipos de ángulos a emplear en nuestras fotografías. Lo más importante es que los conozcas y que también sepas en qué tipo de tomas suelen emplearse.

Eso sí, como también te he ido comentando a lo largo del artículo, es interesante variar los ángulos y probar tomas diferentes a las que normalmente suelen realizarse.

Recuerda que la fotografía es arte y en el arte, anque hay ciertas reglas que son garantía de éxito, es igualmente importante saber transgredir estas reglas para obtener resultados rompedores, innovadores y atractivos.

Fuente www.dzoom.org.es

5 Claves para Entender y Sacarle Jugo a los Tubos de Extensión

Por Javier Lucas

El uso de tubos de extensión es, sin duda, una excelente y, sobre todo, económica alternativa para que aquellos que queréis hacer vuestros primeros pinitos en el mundo de la fotografía macro no os veáis obligados a comprar un objetivo específico para este tipo de tomas.

Sin embargo, debes saber que no es completamente equivalente al resultado que obtendrías con un objetivo macro. Ya que el uso de estos tubos supone alterar las características de la toma. Es decir, no sólo variarás la distancia entre el centro óptico del objetivo y el sensor al interponer un tubo de extensión, lo cual es obvio. Sino que habrá otros parámetros que se verán afectados como la apertura efectiva, la profundidad de campo, la luminosidad, etc.

¿Quieres conocer las principales consecuencias, positivas y negativas, que tendrá el uso de los tubos de extensión en tus fotografías? Pues no te pierdas este artículo. Te prometo que te permitirá trabajar mejor con tus tubos de extensión y conseguir resultados más espectaculares.

Si llevas un tiempo siguiendo el blog y tienes buena memoria, puede que recuerdes que hace algo más de año y medio ya te hablamos sobre los tubos de extensión como una buena forma de aproximarte a la fotografía macro, ¿a que sí?

Pues bien, este artículo es esencial, de hecho, si no lo has leído o, incluso si ya lo has hecho, te recomiendo que lo leas para entender lo que nos aportan los tubos de extensión.

El fin del presente artículo es que, si en el artículo inicial te presentamos estos accesorios y te contamos las ventajas que te ofrecen, hoy puedas conocer qué te "quitan" o en qué afecta su uso a los parámetros o ajustes de tu toma.

1. "Prolongan" la Distancia Focal de tu Objetivo

Como he comentado, sin duda, el primer y más obvio cambio que supone el uso de tubos de extensión es la aparente modificación de la distancia focal. Bueno, en realidad la distancia focal no se modifica, lo que hace el tubo de extensión es aumentar la separación entre cuerpo y objetivo.

Sí, lo sé, para contarte esta obviedad sería mejor que no hubiese escrito este artículo, ¿verdad? Sin embargo, esta separación supone la alteración de otros parámetros de la toma que son de los que realmente quería hablarte en este artículo.

Como es obvio, el incremento de separación entre el centro óptico del objetivo y el sensor de la cámara la determina la longitud del tubo o tubos de extensión interpuestos entre cámara y objetivo. Si usas un kit con tubos de extensión de distancias habituales, estarás ganando 12mm, 20mm, 36mm ó la suma de longitudes de 2 de ellos ó de los 3.

2. Magnifican el Tamaño del Objeto Fotografiado

Este segundo efecto del uso de tubos de extensión también es obvio, ¿verdad?

Para lograrlo, los tubos de extensión permiten que te acerques aún más con tu objetivo al objeto a fotografiar. Si un objetivo tiene una distancia mínima de enfoque, la incorporación de un tubo de extensión permitirá reducir esa distancia.

Al reducir esa distancia, se consigue que la porción de sensor de la cámara que recoge información sobre el objeto fotografiado sea mayor y, por tanto, el tamaño y resolución de éste en la fotografía.

Existe un factor muy importante cuando se habla de tubos de extensión y es el conocido Ratio de Magnificación de Imagen. Este valor mide la relación entre el tamaño que ocupa en el sensor el objeto fotografiado y el tamaño real del mismo.

Así, el que para una determinada toma el uso de un tubo de extensión signifique lograr un ratio de magnificación de 0.35 querrá decir que el tamaño ocupado por un objeto de 1cm, en el sensor de la cámara será de 0.35cm.

No obstante, el ratio de magnificación que ofrece un tubo de extensión no es fijo, ni depende únicamente de la longitud de éste, sino que también influye la distancia del objetivo al objeto fotografiado y la distancia focal del objetivo.

3. Reducen Drásticamente el Rango de Distancias de Enfoque

Cuando uno da finalmente el paso y se compra sus primeros tubos de extensión, no tarda en frustrarse y pensar que le han timado. ¿No te ha pasado?, ¿a que sí?

Efectivamente, si has optado por adquirir unos tubos de extensión de ésos que no mantienen comunicación con la cámara e imposibilitan el uso del enfoque automático, te habrá resultado muy complicado llegar a calibrar el enfoque manual para obtener fotografías nítidas, ¿verdad?

Si, por el contrario, te has gastado más dinero y has comprado unos tubos de extensión "automáticos" que mantienen la comunicación entre cámara y objetivo y permiten, entre otras opciones, el uso del enfoque automático. Entonces, seguro que has tenido la sensación de que eso de que funciona el enfoque automático es una milonga.

¿Cuál es el problema entonces? Muy sencillo, lo que sucede es que la distancia mínima y máxima a la que ha de situarse el objetivo del objeto fotografiado para poder ser enfocado se ha reducido considerablemente.

Por lo tanto, para poder enfocar tendrás que acercarte a distancias muy próximas al objeto a fotografiar y una vez allí trabajar, dentro de un rango de enfoque más reducido, bien de forma manual o bien de forma automática, si el tubo que usas te lo permite.

Para que veas un ejemplo, te muestro las siguientes fotografías:

La de la izquierda está tomada con un 50mm a 18cm de distancia entre objetivo y objeto fotografiado. Si bien, con dicha configuración podríamos haber acercado o alejado más la cámara y no habríamos tenido problemas de enfoque.

Por el contrario, la imagen de la derecha ha sido realizada con la misma focal, pero interponiendo un tubo de extensión "automático" de 20mm. El uso del tubo ha conllevado que me viese obligado a situar el objetivo a sólo 4cm del objeto para poder enfocarlo, a cualquier otra distancia me resultaba imposible realizar el enfoque.

4. Conllevan Pérdida de Luz: Reducción de la Apertura Efectiva

Otro de los efectos que tiene el uso de tubos de extensión es una considerable pérdida de luminosidad en la toma. Motivada, fundamentalmente, por la mayor longitud del "conducto" objetivo+tubo. Con lo que aplicando la Ley Inversa del Cuadrado, se traduce en una reducción de la luminosidad.

Por este motivo, se habla de apertura efectiva, siendo el valor de este parámetro la apertura real que nos está ofreciendo nuestro objetivo en conjunción con el tubo de extensión conectado.

Si volvemos a la segunda toma que vimos en el apartado anterior. Esa toma fue realizada con una apertura de f/2.8, la mayor apertura que ofrecía mi objetivo.

Sin embargo, la apertura efectiva no es esa que he seleccionado. Si observas el tiempo de exposición de esta toma fue 1/10", mientras que el de la toma sin tubo de extensión era de 1/30".

Esto significa que, en realidad, la luz que ha dejado pasar el objetivo en la toma con tubo de extensión ha sido menor, aún utilizando la misma apertura en uno y otro caso, que en la toma sin tubo.

Esto es, la apertura efectiva de objetivo+tubo se ha visto reducida frente a la apertura seleccionada en el objetivo.

5. Multiplican el Efecto de Los Movimientos: Tuyos o de lo Fotografiado

La magnificación, el uso de distancias de enfoque más cortas y la reducción de luminosidad hacen que resulte prácticamente imprescindible el uso de un trípode. De lo contrario obtendrás fotografías trepdidadas.

Pero no sólo necesitarás un trípode, también es muy recomendable contar con un disparador remoto para evitar también las vibraciones debidas a la presión del disparador.

Por tanto, si quieres probarlos, deberás considerar que el uso de tubos de extensión está indicado fundamentalmente para fotografiar objetos estáticos. Ya que en cuanto haya el más mínimo movimiento, del fotógrafo o de lo fotografiado, la toma se irá al traste.

El autor de la fotografía de la derecha asegura haberla conseguido con un 100mm y un tubo de extensión. Yo, personalmente, creo que se requiere mucha pericia en el uso de tubos de extensión para lograr algo así.

Pero, ¿quién sabe? Seguro que tú puedes conseguirlo.

En cualquier caso, si finalmente te decides a probar suerte con este tipo de tomas, ármate de paciencia y utiliza velocidades de obturación muy rápidas, ayudándote de sensibilidades ISO altas para exponer correctamente.

Para Saber Con Detalle En Qué Medida Afecta...

Existe una aplicación relativamente compleja que te permitirá saber cuánto exactamente afecta el uso de un determinado tubo de extensión a tus tomas.

Se trata de VWDOF Calculator, un programa para Windows con el que podrás obtener información sobre el grado de magnificación que consigues al usar un determinado tubo de extensión con una focal dada, obtendrás la apertura efectiva, podrás conocer la profundidad de campo de la toma, etc.

La aplicación viene acompañada de un tutorial en el que se explican las distintas opciones de la aplicación y algunos ejemplos prácticos para aprender a manejarla. Eso sí, está en inglés, pero quién dijo miedo...

Personalmente, no he tenido la posibilidad de probar en detalle la aplicación, pero tiene muy buena pinta y la lista de opciones de cálculo es francamente increíble. En cualquier caso, lo que me gustaría es que te adentrases en el uso de los tubos de extensión y experimentases. Si además quieres probar la aplicación, perfecto.

Y, como siempre, si quieres contarnos tus impresiones de los tubos, de los resultados que has conseguido, de la aplicación o de lo que sea sobre el artículo, ya sabes que estamos esperando tus comentarios. ¡Hasta luego!

5 Cuestiones a Tener en Cuenta a la hora de Cambiar de Trípode

Por Jose Luis Rodriguez

Es probable que estés pensando en cambiar tu actual trípode por uno ya serio o simplemente desees comprar tu primer trípode pero quieras algo un poco profesional. Si has empezado a mirar trípodes, es más que seguro que te hayan comenzado a surgir dudas sobre las diferencias que verás entre ellos además de en su precio. ¿Quieres saber qué es mejor? ¿Necesitas resolver alguna duda? En este artículo trataremos de explicarte las diferencias en las características a la hora de elegir y comprar un buen trípode.

¿Te has convencido de que necesitas un trípode? Felicidades

Lo hemos dicho en más de una ocasión. El trípode es un complemento casi imprescindible en el mundo de la fotografía con muchos más usos de los que en un principio puedas imaginar.

Lo puedes usar en fotos de grupos en los que quieras salir tú también, en autorretratos, en fotografía nocturna o con poca luz, en paisajes, en cualquier situación en la que quieras recoger el movimiento...

Si aún no tienes claro los motivos por los que necesitas un trípode y algunas de las situaciones en las que será obligado su uso, hace tiempo publicamos un artículo llamado "8 Buenas Situaciones en las que Usar Trípode con tus Fotos" en el que te contamos solo algunas de esas situaciones.

Las bases de un buen trípode

Antes de empezar a hacerte preguntas, hay una serie de elementos que son indiscutibles y que pasaremos un poco por encima porque asumiremos que entre las opciones que estemos barajando se cumplirán todas ellas.

Así que, daremos por hecho que el trípode que estemos mirando sea estable y robusto como para soportar nuestra cámara, que ésta no corra peligro, y que las fotos salgan bien.

A partir de ahí, vamos a revisar características concretas.

1. ¿De Aluminio o de Carbono?

Esta es una de las primeras preguntas que probablemente te hagas sobre todo si tu situación es la de cambiar tu trípode antiguo por uno más serio.

Sin duda, esta decision va a afectar a tu presupuesto, ya que existe una diferencia bastante notable de precio entre los trípodes de fibra de carbono y los de aluminio.

Precios aparte (como te digo, no es un elemento menor ni mucho menos), las diferencias más notables suelen ir en el peso de ambos materiales, siendo normalmente más ligeros los trípodes de fibra de carbono que los de aluminio si comparamos modelos de tamaño equivalente.

Si vas a llevar el trípode contigo largas caminatas, probablemente notes esa diferencia de peso a lo largo del día.

Por otro lado, se dice que los trípodes de fibra de carbono son más delicados que los de aluminio, por lo que tendremos que tratarlos con más cuidado.

Hay quien dice que los trípodes de fibra de carbono absorben mucho mejor las vibraciones que los trípodes de aluminio, pero tampoco he visto uniformidad de criterios en este punto.

Si has tenido oportunidad de trabajar con trípodes de los dos materiales y puedes darnos tu opinión al respecto nos será de mucha utilidad.

2. ¿Patas de 3 o 4 secciones?

Después de decantarnos por el material, este es otro de los elementos que más te pueden hacer dudar a la hora de elegir trípode.

Las dos opciones tienen sus ventajas y sus inconvenientes, por lo que no se si podré convencerte de una u otra opción. De nuevo dependerá de tus necesitades.

Los trípodes de 4 secciones permiten un mayor plegado que se traduce en un menor espacio cuando están recogidos.

Frente a esta ventaja del espacio, los principales inconvenientes se encuentran en el tiempo de apertura y plegado y la sensación de estabilidad que puede trasladar el trípode una vez extendido.

Mi opción personal son las 3 secciones, pero como digo, depende de las limitaciones de espacio que puedas tener con el trípode plegado.

3. La altura y el peso soportados

La altura es una característica fundamental que te permitirá hacer fótos cómodamente o no, dependiento de lo alto que sea el trípode.

A la hora de medir la altura, ten en cuenta que a la hora de ver tus necesidades no debes mirar tu propia altura sino la de tus ojos en una posición cómoda para mirar por la cámara.

Y cuando mires la altura del trípode comprueba la altura del trípode abierto y la altura que da con la columna extendida.

Respecto al peso, tienes que comprobar el peso máximo que soporta tanto las patas (el trípode en si) como la cabeza, ya que ambos elementos sufren con el peso de la cámara.

También tendrás que hacer una lectura un poco particular de los pesos soportados, ya que sobre el papel casi cualquier trípode o cabeza soporta pesos muy superiores al conjunto de tu cámara y objetivo. En ese sentido, es bueno que, una vez tengas los posibles modelos cerrados, busques información sobre experiencias concretas de usuarios con sus equipos y esos trípodes y cabezas para ver si tienen quejas sobre el peso real soportado.

4. ¿Rotula: de qué tipo?

Solo para elegir el tipo de rótula da para un artículo completo. Y es que hay muchos tipos de rótulas diferentes en el mercado.

Para no extenderme demasiado, me centraré en dos tipos de los que creo son los más extendidos: las rótulas de bola y las 3D o con 3 ángulos de giro.

La diferencia fundamental entre ambas es la rápidez de uso y la precisión.

La de bola se caracteriza por tener un único punto de control que bloquea o desbloquea el movimiento.

Su ventaja es que permite regular con un solo control la posición, desbloqueando la posición con una mano, situando la cámara con la otra, y volviendo a bloquear la rótula una vez tenemos fijada la cámara donde queremos. Esto nos da mucha rapidez en el manejo.

Las 3D en cambio disponen de 3 puntos de ajuste que permiten ajustar por separado los 3 ejes espaciales. Por su precisión son ideales para situaciones en las que dispongas de tiempo en situaciones como fotos de arquitectura o de estudio en los que no vayas contra reloj.

5. ¿Y la columna?

Existen trípodes que permiten situar la columna en posición horizontal, mientras que otros solo permiten un ajuste vertical de la columna.

El ajuste vertical te permitirá regular la altura final de la cámara, mientras que la posibilidad de situar la columna en posición horizontal te permitirá situar la cámara en una posición muy baja. Esta funcionalidad se utiliza bastante en fotografía macro, por ejemplo.

Fuente: www.dzoom.org.es

7 Situaciones en las que Deberías Apagar el Enfoque Automático

Por Miguel Lucas

A lo mejor es que me estoy haciendo mayor.

Pero el otro día, al intentar hacer una foto a través de la cristalera fija de la habitación de un hotel, tuve que desactivar el enfoque automático porque no conseguía que funcionase como yo quería. Y de repente, la mente me llevó varios (¿muchos?) años atrás, cuando era pequeño y mi padre me pedía que levantase el dedo para poder enfocar con su vieja cámara manual... ¡¡Qué tiempos aquellos!!

Tanto han cambiado las cosas y tanto ha evolucionado la tecnología que a veces no somos conscientes de que existe una cosa que se llama enfoque, que estamos muy acostumbrados a que funcione de modo automático, y que, aunque suele funcionar bastante bien, hay ocasiones en que, para tener un resultado óptimo, es mejor apagarlo. ¿Sabes cuándo?

Situación 1) Cuando No Hay Suficiente Contraste

El sistema de enfoque automático funciona con un servomecanismo que se ajusta por contraste. Por eso, cuando la zona de enfoque no tiene suficiente contraste, el enfoque automático no funciona bien: el anillo del enfoque va de un extremo a otro sin encontrar el punto adecuado.

Un truco que puedes emplear consiste en buscar un elemento en las proximidades que esté a la misma distancia que la zona de enfoque y enfocarlo. Cuando lo tengas, y sin soltar el disparador, reencuadra y dispara (importante: deberás tener desactivado el modo de enfoque continuo si es que tu cámara cuenta con él).

Hay veces que el truco no acaba de funcionar. Es en esos casos en los que hay que tirar de enfoque manual.

Situación 2) Cuando No Hay Suficiente Luz

Realmente es una variante del caso anterior. Aunque haya elementos como para que haya contraste, si no hay luz suficiente, apenas hay contraste. Y el enfoque automático, falla. Por eso, muchas cámaras vienen con una luz de ayuda al enfoque. Pero si el punto de enfoque está lejos, la luz no tiene la suficiente potencia para iluminar y... vas a obtener mejores resultados si apagas el AF y enfocas a mano.

Situación 3) En Paisajes y Cuando Busques la Mayor Profundidad de Campo

Suele pasar en paisajes, pero si lo que quieres es la máxima profundidad de campo, es decir, que desde lo más cercano hasta lo más lejano esté enfocado, te interesa buscar la hiperfocal (recuerda, 1/3). Y en tal caso, suele resultar más cómodo haciéndolo a mano. Puede ayudarte jugar inicialmente con grandes aperturas (F bajo) en el momento de enfoque para facilitar el proceso, y cuando lo tengas, reajustar apertura y velocidad de obturación para maximizar la profundidad de campo.

Situación 4) Si Estás Haciendo HDR's

Aca hemos hablado largo y tendido de los HDR. Incluso te hemos contado técnicas para emularlos. Pero si lo que estás haciendo es un HDR de los genuinos, vas a necesitar tomar exactamente la misma escena con diferentes niveles de exposición. Y tomar la misma escena requiere que el punto de enfoque permanezca fijo, para lo cual te va a resultar más cómodo desactivar el enfoque automático.

Este consejo también puede valer si estás intentando hacer un Time-lapse y no quieres variar el punto de enfoque.

Situación 5) Al Disparar a Través de un Cristal

El caso que te he contado. Y que conste que el vidrio era fijo. Si hubiera sido una ventana, la habría abierto, que es lo mejor que se puede hacer. Pero si no se puede abrir, a menudo, el sistema AF se hace líos con brillos y reflejos. Por eso, es recomendable desactivarlo y enfocar manualmente. ¡Ey! debes tenerlo en cuenta si tomas fotos desde un avión :)

Situación 6) Con Objetos que se Mueven a Toda Velocidad

La culpa la tiene el motor de enfoque, que no tiene velocidad infinita :). El caso es que el tiempo que tarda una cámara en enfocar no es cero. Y por eso, si el objeto que pretendes fotografiar se mueve rápido, es muy probable que cuando consigas el enfoque, el "bicho" en movimiento ya no esté ahí. Por eso, a veces, es preferible realizar el enfoque a mano en un punto fijo y estar preparado para disparar cuando el objeto esté ahí.

Requiere su práctica, no te digo que no, pero es efectivo.

Situación 7) En Fotografía Macro y Con Grandes Aperturas

Si la profundidad de campo es muy reducida, al sistema AF le cuesta trabajo hacerse una idea del punto de contraste para el enfoque. Si estás usando lentes de aproximación o tubos de extensión, los problemas se acentúan.

Es un buen momento para apagar el AF y tirar de enfoque manual.

Fuente: www.dzoom.org.es

5 Buenos Consejos para Hacer Retratos al Aire Libre

Por Jose Luis Rodriguez

¿Quién no ha hecho retratos al aire libre alguna vez? Cuando sales por ahí con tu cámara y vas con familiares o amigos más tarde o más temprano acabas haciendo fotos de retratos, ya sea individuales o en grupo. En este artículo te traigo una serie de consejos a tener en cuenta la próxima vez que quieras hacer algún retrato al aire libre que te permitirá conseguir mejores resultados.

Busca la sombra

Muchas veces tenemos la sensación de que al sol salen mejor los retratos porque disponemos de más luz.

La realidad es que, en la mayoría de las ocasiones, a la sombra tenemos luz más que suficiente para que la foto salga correctamente y existen una serie de ventajas que hacen que el resultado sea normalmente mejor si hacemos las fotos a la sombra.

Cuando el sol se proyecta directamente en el rostro de quién estamos fotografiando, lo normal es que la aplicación de la luz proyecte sombras no deseadas en el propio rostro que desmerezcan nuestro trabajo.

Además, en función de la posición del sol respecto a quién estemos fotografiando puede provocar molestias que hagan que nuestro o nuestra modelo adopte expresiones poco favorecedoras.

Así que, ya sabes: si puedes, busca la sombra.

Que la sombra sea uniforme

Hay veces que utilizamos la sombra de un arbol para proteger a quien fotografiamos. El motivo puede deberse a que nos resulta agradable el entorno o simplemente a que no disponemos de una sombra mejor.

El problema que muchas veces presentan las sombras de los árboles es que la luz pasa de forma irregular a través de las hojas, dejando zonas de luz y zonas de sombra.

Cuando estés realizando el encuadre para la foto fíjate bien en que no haya zonas de luz que incidan directamente en el rostro de las personas a las que estás haciendo la foto si, por ejemplo, se trata de una foto en grupo, ya que esta diferencia de luz en las distintas zonas provocará un contraste tonal excesivo en los rostros.

Vigila el fondo

EL fondo puede ser un perfecto aliado o arruinar definitivamente la foto.

Trata de evitar elementos en el fondo que puedan atraer demasiado la atención de lo que realmente nos interesa en este tipo de fotografías, que son las personas.

Aprovecha el bokeh

El bokeh es un término de origen japonés utilizado en fotografía para referirse a la estética de las zonas desenfocadas que produce el uso de una profundidad de campo reducida en una fotografía.

Haciendo la foto con el fondo a cierta distancia y utilizando una apertura que nos permita que nuestro fondo salga desenfocado, podemos aprovechar combinaciones de colores en el fondo para conseguir un aspecto muy agradable en nuestra composición sin que reste atención al motivo principal de la foto.

Y por supuesto... enfoca a los ojos

Este consejo no está estrictamente asociado a los retratos al aire libre, pero no por ello me lo quería ahorrar, ya que para mi es el consejo número uno en fotografía de retratos.

Dicho de otra forma, si este consejo nos falla, el resto de consejos tendrán poca importancia.

Y es que un retrato en el que el elemento principal es el rostro, si no conseguimos que los ojos salgan correctamente enfocados, nos encontraremos con una sensación incómoda al contemplar la foto que no terminará de agradarnos por completo.

Y a ti, ¿se te ocurre algún consejo más?

Al preparar este artículo he hecho un ejercicio de reflexión de aquellos elementos que creía que debeía tener en cuenta a la hora de hacer retratos al aire libre, pero es probable que cuando lo leas se te ocurran otros muchos consejos más o menos obvios. No me gustaría cerrar el artículo sin antes pedirte que me dieras tus propias recomendaciones, aquellas que aplicas porque consideras que funcionan muy bien.

Fuente: www.dzoom.org.es

Cómo Incrementar la Apertura de Tu Objetivo con el Método Brenizer

Por Javier Lucas

En el último artículo que escribí os hablaba de una técnica de retoque para reducir la profundidad de campo de una fotografía en Photoshop.

Pues bien, gracias a un comentario de Gus, gracias Gus, he descubierto un método para lograr reducir la profundidad de campo de tus fotografías mediante una técnica que te permitirá "ampliar" la apertura de tu objetivo por encima de la teórica apertura máxima de tu objetivo.

La técnica en cuestión se conoce como Método Brenizer, en honor a su creador, y en este artículo vamos a ver cómo aplicarla, ¿te animas?

Como sabes, además de la distancia focal y de la distancia al elemento enfocado, el otro gran parámetro que define la profundidad de campo de una fotografía es la apertura de diafragma.

La Apertura Máxima: El Principal Limitante

Cuando piensas en una fotografía, lo primero que eliges es el encuadre y éste vendrá fundamentalmente determinado por la distancia focal elegida (ya sabes, a mayor focal, menor ángulo de visión).

Una vez que tienes el encuadre, el siguiente punto es determinar el centro de atención de la imagen, el objeto que enfocarás y que, por tanto, definirá la distancia al elemento enfocado.

Con estos dos pasos, ya tendríamos 2 de los 3 parámetros que definen la profundidad de campo de nuestra fotografía, ¿verdad?

El último parámetro que definiremos es la apertura que seleccionaremos en el objetivo, el famoso número f. Como sabes, a menor número f, menor profundidad de campo y, por tanto, mayor realce del objeto enfocado.

El problema es que, todos los objetivos tienen una apertura máxima (o número f mínimo al que llegan) y que, por tanto, supone un límite que hace que la profundidad de campo no pueda reducirse más para la focal y distancia al objeto de la toma.

El Método Brenizer: Ampliando La Apertura Máxima

Una de las soluciones a esta limitación es la que nos aconseja Ryan Brenizer y que da nombre a su método.

La solución consiste en simular la toma que lograríamos con una distancia focal, a una distancia del objeto enfocado y con la apertura máxima que nos ofrece el objetivo mediante la composición de varias tomas realizadas con una focal mayor, a la misma distancia del objeto enfocado y también con la apertura máxima que nos ofrece el objetivo.

En realidad, lo que conseguimos de este modo no es ampliar la apertura del objetivo, que seguirá siendo la misma, pero sí logramos reducir la profundidad de campo, al haber utilizado en las tomas que compondremos posteriormente una distancia focal mayor que la que usaríamos originalmente.

Concretamente, la profundidad de campo que conseguiremos será equivalente a la que obtendríamos si seleccionásemos una apertura del diafragma tantas veces menor a la seleccionada como el cociente entre la nueva distancia focal y la distancia focal original.

Te Mostraré El Método Con Un Ejemplo

La mejor forma de explicarte en qué consiste la técnica es ver un ejemplo. De modo que presta mucha atención, porque no sólo me voy a limitar a enseñarte el resultado, sino que te lo describiré paso a paso, por si quieres intentarlo.

1. Lo primero que debes hacer es identificar el encuadre de la toma a la que quieres aplicar la técnica. Yo, en el ejemplo, he optado por el encuadre recogido en la siguiente imagen. Se trata de una toma con las siguientes características: 35mm, f/2.8, ISO 100.

Como puedes ver, el hecho de haber contado con una apertura máxima de f/2.8 ya me ofrece la posibilidad de reducir bastante la profundidad de campo, de hecho el fondo está bastante borroso.

No obstante, necesito reducirla aún más, por lo que optaré por aplicar el método de Brenizer.

2. Lo siguiente es quedarte con el encuadre en la cabeza y pasar a utilizar una focal más larga, que te ofrecerá un menor ángulo de visión (de ahí que sea necesario componer varias imágenes), pero al mismo tiempo reducirá la profundidad de campo, que es lo que queremos.

Una vez ampliada la distancia focal, bien a través de un nuevo objetivo, o si tienes un objetivo zoom, ampliando la focal de éste, sigue los siguientes consejos:

• No hace falta que dispares en RAW, ni que el tamaño de las fotos sea muy grande (esto además agilizará el proceso de almacenamiento de las fotografías en tu tarjeta de memoria).
• Selecciona la apertura más amplia (menor número f) que te ofrezca tu objetivo para la nueva focal seleccionada.
• Establece la sensibilidad al menor valor posible (así evitarás la aparición de ruido).
• Enfoca al objeto que deseas destacar y pasa a modo de enfoque manual (para mantener el mismo enfoque en todas las tomas).
• Selecciona el tiempo de exposición más adecuado para la escena global y pasa a modo manual (para tener en todas las tomas la misma exposición).
• No olvides ajuste el modo de balance de blancos para que no sea automático (nuevamente para obtener el mismo balance en todas las tomas).
• Dispara tantas tomas como quieras procurando "barrer" todo el encuadre y solapar parte de las fotografías para facilitar el proceso de composición.

Estos consejos son propios de cualquier sesión de fotografías a las que posteriormente quieras aplicar un proceso de "mezcla" para realizar panorámicas.

Aquí te muestro algunas de las tomas que yo he necesitado realizar para aplicar el método.

En este caso, las fotos se han realizado con los siguientes ajustes: 50mm, f/2.8, ISO 100. Como se puede apreciar, el ángulo de visión es menor, aunque gracias a la composición de las tomas obtendremos el mismo encuadre.

Sin embargo, lo que sí habremos logrado es reducir la profundidad de campo, gracias al uso de una focal mayor (50mm > 35mm).

3. A continuación, la siguiente acción sería componer, a partir de las múltiples tomas realizadas con una focal mayor, la fotografía final.

Y una vez creada la panorámica el último punto será el recorte definitivo que pondrá fin al método. Y cuyo resultado puedes ver en la siguiente imagen:

Quizás te parezca que se trata de un resultado muy similar y la verdad es que, a primera vista, puede parecerlo. ¿Qué tal si comparamos ambas fotografías: la que obtenemos con un 35mm sin aplicar el método y la que obtenemos a partir de la combinación de tomas con un 50mm?

Pues bien, aunque sea levemente, puesto que la reducción de la profundidad de campo ha sido equivalente a haber contado con un objetivo con apertura máxima de f/1.97 (2.8 / (50/35)=1.97). Parece claro que hemos logrado reducir la profundidad de campo y centrar aún más la atención sobre el objeto enfocado.

Imagina si en vez de haber usado un 50mm (lamentablemente todavía no tengo un teleobjetivo), hubiésemos contado con un 85mm o superior. En ese caso, el resultado habría sido equivalente a contar con aperturas máximas de f/1 ó incluso menos.

Por ese motivo, es muy recomendable que pruebes el método con un "tele", de lo contrario te pasará como a mí, te quedarás "con la miel en los labios". Porque aunque el resultado es llamativo, podría serlo mucho más con el equipo apropiado.

Para Que Veas Lo Que Se Puede Conseguir

Reconozco que la imagen que te he mostrado en el ejemplo no es ninguna maravilla y, además, como te he dicho, carezco de un teleobjetivo que hubiese permitido ofrecer un resultado más espectacular.

Por ese motivo, voy a mostrarte algunas "creaciones" que han empleado este método y que hay por la web. Seguro que así consigo que te animes a probarlo.

Flowerama

ellen2

Frank Stella BMW

¿Qué?, ¿ya te he dado alguna idea de posibles tomas a las que aplicar el método?, ¿aún no? Échale un vistazo a la web de Ryan Brenizer, seguro que ahí encuentras muchas ideas.

En cualquier caso, no dejes de probarlo y contarnos tus impresiones. ¿Trato hecho?

Fuente: www.dzoom.org.es