lunes, 30 de agosto de 2010

Los 7 Consejos Clave para Sacar Partido a tu Gran Angular

Por Jose Luis Rodriguez
Foto de Wolfgang Staudt

El gran angular es el objetivo deseado por todos aquellos a los que nos gusta la fotografía de paisajes. En mi caso, desde que tuve mi primera réflex digital, puse mis miras en un gran angular para que pasara a formar parte de mi equipo imprescindible dentro de la mochila. Sin embargo, mis comienzos fueron algo frustrantes. ¿Sabes por qué? Muy sencillo. Aún no había descubierto los 7 consejos clave para sacar todo el partido a mi gran angular. Concédeme 3 minutos y te explicaré todos y cada uno de ellos. Cuando lo leas y practiques un poco dominarás por completo tu objetivo. Y si aún no tienes uno y te gusta este tipo de fotografía, empezarás a ahorrar para poder disfrutarlo cuanto antes.



Introducción

Foto de alextrempsDesde que entendí que una parte fundamental del proceso de aprendizaje de la fotografía era ver más y más fotos, dedico mucho tiempo a contemplar el trabajo de otros. Y desde que lo hago vengo prestando especial atención a las fotografías hechas con gran angular. Lo reconozco, son mi debilidad.

Recuerdo cómo dediqué meses a estudiar mi proceso de compra. En mi caso, y tras un esfuerzo económico importante, tenía pocas opciones a la hora de elegir gran angular. Básicamente se reducían a un Tokina 12-24 o a un Sigma 10-20. El resto de opciones se me iban completamente de presupuesto.

Pero cuando mi amigo David me trajo finalmente el Sigma 10-20 de Estados Unidos, al poco de probarlo pensé que me había confundido completamente. Ese objetivo no era para mí. Mis primeras fotos no se parecían a las imágenes tan increíbles que me habían lanzado a ampliar mi equipo.

Hasta que entendí mi problema. Con este tipo de objetivos, por sus características tan especiales frente a los de focales más "estándar", hay que hacer las fotos teniendo en cuenta una serie de cuestiones. Una vez entendidas y dominadas es cuando le sacas todo el jugo a estas auténticas joyas.



1. Acercate más, mucho más

Foto de Sergio TudelaLa principal ventaja y a la vez incoveniente de los grandes angulares es que cuando miras a través de ellos todo se ve muy lejos.

Es una ventaja porque te permite coger un ángulo de visión muy amplio, pero también es un inconveniente debido a que si hacemos las fotos como estamos acostumbrados, simplemente mirando al infinito, haremos una foto en la que todo está muy lejos.

¿La solución? Acercarse.

Buscando un elemento que aporte a la escena y colocandolo en primer plano dará mucha información y mucha fuerza a nuestra foto. Fijate bien en todas las fotos que hayan llamado tu atención hechas con grandes angulares. ¿Te das cuenta? No falla. La mayoría utilizan este recurso, y es una garantía de éxito en la mayoría de los casos.

2. Lo que importa es el primer plano

Foto de Sergio TudelaEs lo que te acabo de contar. Si has seguido el primer consejo, habrás incluido una información esencial en primer plano.

Ahora se trata de que esa información aporte realmente a la foto. No solo necesitamos incluir algo en primer plano. Lo que incluyamos tiene que aportar mucha información y ser de interés. Vuelve a fijarte en las fotos anteriores y me darás la razón.

3. Las líneas, tu principal aliado

Las líneas son un elemento compositivo muy potente en fotógrafía. Y uno de los tipos de líneas que mejor ayudan a dirigir la atención de la vista son las líneas convergentes.

Cuando hacemos fotos con un gran angular el efecto de las líneas convergentes se potencia por el ángulo cubierto.

Así que si tienes portunidad, realiza composiciones cuando tenga sentido hacerlo en el que las líneas arranquen desde las esquinas inferiores de tu foto y dirijan la vista al punto de la foto donde tu quieras.

4. Tus fotos, bien nítidas

Foto de Sergio TudelaUna de las ventajas del uso de focales tan reducidas es la facilidad para que salga bien enfocado lo que queremos.

A poco que cerremos el diafragma, combinado con la distancia hiperfocal con la que contemos, hará que la zona nítida de nuestra foto sea muy grande. Ideal para la fotografía de paisajes.

Busca el punto dulce de tu objetivo. En el caso de mi Sigma 10-20, diría que se encuentra en f/11. Con aperturas en esa línea consigo fotos aparentemente nítidas tanto en el primer plano como el el fondo.

5. ¿Qué tal en vertical?

En mi caso, reconozco que tengo especial manía por disparar en horizontal. Al principio alternaba más, pero cuando reviso mis fotos me doy cuenta que hago prácticamente todo en horizontal.

En el caso del gran angular, cuando disparas en vertical aprovechas más el ángulo de visión si tu objeto en primer plano está en el suelo. Puedes casi sacar tus pies en la foto y mantener el horizonte. Este es el motivo por el que verás la mayoría de las fotos de este tipo con una orientación vertical.

Si te ocurre lo que a mi y casi siempre disparas en horizontal, cuando uses un gran angular prueba a disparar en vertical. ¡Verás qué diferencia!

6. Cuidado con los filtros

Foto de Sergio TudelaSi estás acostumbrado a usar filtros, con los grandes angulares debes tener un especial cuidado.

Por un lado, si usas filtros polarizadores, pueden aparecerte "efectos extraños" en los cielos.

Tiene su explicación, y es debido al ángulo que estás cubriendo con el objetivo. Los filtros polarizadores funcionan de una determinada forma en función del ángulo con que incide la luz.

En el caso de los grandes angulares, el angulo cubierto es muy grande, lo que puede que se traduzca en tus fotos en tonalidades en el cielo no deseadas.

Por otro lado, es probable que el uso de determinados filtros haga aparecer viñeteos no controlados debido a ese mismo ángulo. En mi caso soy partidario de los viñeteos como elemento creativo a la hora de dirigir la atención en mis foros, pero siempre controlados.

Si vas a comprar un filtro para tu gran angular, asegurate antes de que no va a provocar viñeteo en las fotos. Puedes probar con las soluciones basadas en portafiltros tipo Cokin.

7. Vigila las líneas verticales

Foto de Sergio TudelaLos grandes angulares deforman la realidad. Es un hecho, y hay que saber vivir con ello.

Las líneas son especialmente sensibles a estas deformaciones, y lo notarás sobre todo si pierdes la horizontal con la cámara.

Haz la prueba mirando a través del visor. Mira hacia delante, observa la escena, y a continuación inclina la foto cambiando el punto de vista, mirando hacia arriba o hacia abajo. ¿Ves a lo que me refiero? La distorsión es muy grande.

Simplemente, aprende a vivir con ello y disfrútalo. En determinadas fotos puedes tratar de corregir el efecto con filtros de corrección de lente, pero en otros simplemente no podrás si es muy acusado. Aprovechate de ello y utilizalo como elemento adicional en tus fotos.

martes, 24 de agosto de 2010

La Guía Definitiva para Hacer Fotos de Estelas de Luz

Por Jose Luis Rodriguez
Fotos de estelas de luz (night trails)

¿Alguna vez te has preguntado cómo se hacen esas fotos en las que salen estelas de luz de los faros de los coches? ¿Y se te ocurre qué tipo de cosas podrías hacer para mejorar tus fotos de estelas? En este artículo cubro los fundamentos de este tipo de fotografías y te doy una serie de consejos para mejorar tus fotos de estelas de luz. Si quieres saber cómo hacer fotos de estelas o mejorar tu técnica y composición en este tipo de fotos, dedícame unos minutos y no te pierdas este artículo.



Introducción

Foto de Pear BiterRecuerdo como de niño me quedaba embobado viendo las fotos de las postales en las que aparecía mi ciudad por la noche con sus edificios y monumentos iluminados y las calles llenas de estelas de luces rojas, anaranjadas, amarillas y blancas.

Probablemente ese fue uno de mis primeros contactos con la fotografía que hicieran que más mayor quisiera aprender a toda costa. Me repetía cosas como "quiero hacer fotos como esas".

Sin duda, uno de los elementos más atractivos de la fotografía nocturna en entornos urbanos son las estelas de luz. Esas estelas que dejan las luces de los vehículos en movimiento y que en nuestras fotos quedan recogidas como líneas de colores que dibujan formas más o menos caprichosas.

El atractivo de este tipo de fotos se debe a varios motivos.

Por un lado, las líneas tienen una fuerza compositiva muy grande, y se convierten en un recurso muy útil a la hora de dirigir la atención en nuestras fotos y marcar un camino a la hora de recorrerla con los ojos.

Por otro lado, en este tipo de fotos conseguimos captar algo irreal, algo que no vemos con nuestros propios ojos, convirtiendo el movimiento en formas de colores.



Las bases de la fotografía de estelas de luz

Foto de da100fotosLos motivos por los que conseguimos recoger este tipo de efectos en nuestras fotos es realmente sencillo y probablemente a la mayoría de vosotros os sobre esta explicación, pero puede que hayas llegado hace poco a dZoom y te hayas perdido algún artículo sobre las bases de la fotografía.

Uno de los ajustes que podemos realizar si nuestra cámara lo permite es el del tiempo de exposición. Cualquier elemento que se mueva delante de nuestro objetivo más rápido que el tiempo de exposición que hayamos seleccionado en nuestra cámara saldrá movido en la foto.

Si usamos un tiempo de exposición lo suficientemente prolongado, este movimiento se convertirá en una estela, y dentro de los objetos que se muevan delante de nosotros, conseguiremos recoger mejor aquellas partes que cuenten con más luz. Esas partes, en el caso de los vehículos, son sus luces.

Sencillo, ¿verdad? Pues ahora vamos con los consejos.

Algunos consejos a la hora de fotografiar estelas de luz

1. Usa un trípode

Como habrás supuesto, si vas a hacer fotos con tiempos de exposición prolongados necesitarás un buen trípode.

Como ya te recordáramos en su momento, las estelas de luz y en general la fotografía nocturna es una de esas situaciones que justifican sobradamente el uso de un trípode.

2. Usa un disparador remoto

Foto de NrbelexContar con un biuen trípode muchas veces no es suficiente para que las fotos no salgan movidas.

Al accionar el disparador podemos mover la cámara o provocar vibraciones que hagan que nuestra foto no salga todo lo nítida que debiera.

Con un disparador remoto se soluciona esta situación por muy poco dinero. Tienes disparadores remotos por apenas 3 euros o por 30 si los quieres con intervalómetro para hacer fotos más creativas aún.

Si no cuentas con un disparador remoto, prueba a disparar con el temporizador activado, de modo que la foto se haga unos segundos después de apretar el botón de disparo de tu cámara.

3. Usa el ISO más bajo que puedas

Es el mismo consejo que doy siempre que disponemos de condiciones ideales para que las fotos no salgan movidas independientemente del ISO.

Con los ISOs más altos aparece más ruído en nuestras fotos.

Hay veces que necesitamos usar ISOs altos porque las condiciones de apertura y tiempo de exposición no permiten hacer las fotos con garantías de que no salgan movidas o trepidadas.

Puesto que en este caso estamos trabajando con trípode, no tenemos problemas en ese sentido.

Además, al usar ISOs más bajos necesitaremos más cantidad de luz que si utilizáramos valores altos, por lo que podremos exponer durante más tiempo y nuestras estelas serán más largas.

4. Prueba el modo de reducción de ruído

Hay cámaras que traen incorporados sistemas de reducción de ruído para exposiciones prolongadas.

Si tu cámara cuenta con esta funcionalidad, te recomiendo que revises su funcionamiento y hagas pruebas con el sistema de reducción de ruído activado y desactivado, para ver qué resultados obtienes con cada uno de ellos, no sea que te lleves una sorpresa desagradable.

5. Juega con los tiempos de exposición

Foto de 96dpiComo decía, la longitud de las estelas dependerá del tiempo de exposición (y por supuesto de la velocidad de los objetos en movimiento).

Realiza las pruebas necesarias para que las estelas salgan como deseas, compensando el tiempo de obturación con la apertura del diafragma, garantizando que las fotos salagn correctamente expuestas.

6. El encuadre es fundamental: Imagina las líneas

Hasta ahora los consejos han sido meramente técnicos.

Aplicando todos los puntos que he repasado antes conseguirás una foto técnicamente bien ejecutada.

Pero una foto "correcta" no tiene por qué tener interés alguno. La clave está en la composición.

Busca un punto seguro para hacer las fotos, con un encuadre interesante, y trata de imaginar las líneas que recogerás en la foto.

Repasa el significado de las líneas en composición fotográfica y trata de aplicar algún criterio a la hora de recogerlas.

Si estás haciendo fotos de una carretera, puedes buscar un punto en una autopista donde exista un nudo con cambios de sentido, incorporaciones, etc., que formen figuras interesantes.

También puedes jugar con formas en "S", o líneas diagonales que dirijan la vista a un punto determinado.

7. Añade elementos de interés

Otra muy buena opción es buscar un elemento de interés y utilizar las estelas de luz para trasladar esa sensación de movimiento y centrar la mirada en el punto de interés.

Tratándose de fotografía urbana, puede ser un monumento o un edificio que quede rodeado por las estelas, siendo el elemento estático de la foto.

lunes, 9 de agosto de 2010

Mejora tu composición fotográfica gracias a Lightroom

Por Jose Luis Rodriguez
Reencuadre compositivo en Lightroom

Hoy voy a hablarte un poco de composición. Pero va a ser composición a posteriori, después de haber hecho la foto. Y para ello voy a utilizar Lightroom, el programa de Adobe pensado para fotógrafos del que te hemos hablado en más de una ocasión en dZoom. ¿Quieres mejorar una buena foto que tengas por ahí en un par de minutos? Te garantizo que funciona, y no vas a tener realizar más ajustes que el del encuadre de la foto. ¿No te lo crees? Dedícame esos dos minutos y te cuento cómo hacerlo.



Las reglas de composición

Si hay algo que funciona bien en la mayoría de los casos en fotografía es la aplicación de las reglas de composición.

Dicen que las reglas están para conocerlas y romperlas cuando haga falta. En este caso te hablaré de ciertas reglas, y ya las romperás cuando desees más adelante. Concretamente son reglas que hablan de la ubicación del centro de interés en nuestra foto.

Está comprobado que el centro de la foto normalmente no es el mejor sitio para situar tu centro de interés. Seguro que alguna vez alguien te ha comentado que si estás haciendo una foto de algo, es mejor que lo situes a un lado de la foto en lugar de justo en el centro.

Esto tiene una base, a veces matemática, y a veces estadística, y desde hace siglos se alplica en disciplicas como la pintura. Y simplemente funciona.

Overlay en Lightroom

Consiste en trazar diagramas imaginarios más o menos complejos en tu encuadre que te permiten identificar puntos y secciones donde colocar el centro de interés de tu foto o dividir los espacios del contenido de tu foto.

Seguro que has oído o leído alguna vez cosas sobre la proporción áurea, la regla de los tercios o la simetría dinámica. Son mecanismos que, como te digo, suelen funcionar bastante bien.

El problema de aplicarlos es que se requiere cierta práctica para identificar esos puntos en el visor. La otra opción es realizarlo a posteriori, una vez hecha la foto, mediante un reencuadre. Pero la aplicación de determinadas reglas también tiene su dificultad. O la tenía...

En el caso de los programas que trabajan con capas se podían utilizar trucos como utilizar plantillas ya hechas para reencuadrar la foto con una de esas plantillas delante.

Para el caso de Photoshop te explicamos en su día como utilizar la rejilla como ayuda para aplicar la regla de los tercios, pero lo que te traigo hoy es mucho más espectacular y sencillo.



Reencuadrando con Lightroom

Lightroom cuenta, al igual que la práctica totalidad de herramientas de retoque fotográfico, con una utilidad para reencuadrar nuestras fotografías.

Overlay en Lightroom

Aparece incorporado en una barra de herramientas en el módulo Develop (Revelar en su versión en español) y su uso es bastante intuitivo, incorporando las mismas funcionalidades que programas similares. Con él podremos reencuadrar una foto, manteniendo la proporción de alto por ancho original, eligiendo una proporción diferente o realizando un recorte libre. También podremos aprovechar para rotar la foto si consideramos que está algo inclinada.

Pero la magia comienza cuando pulsamos la tecla de la letra "o" (no el cero). Al hacerlo jugamos con el modo Overlay, pudiendo alternar entre 6 rejillas diferentes que muestran distintas plantillas superpuestas sobre nuestra foto, entre las que encontraremos la correspondiente a la proporción áurea, la de los tercios o la de la simetría dinámica que hemos comentado anteriormente.

Gracias a esta utilidad simplemente tenemos que seleccionar la plantilla que mejor se adapte a lo que estamos buscando y reencuadrar nuestra foto para situar mejor un posible centro de interés, sin más complicaciones.

Overlay en Lightroom

¿Fácil, no?

lunes, 2 de agosto de 2010

¿Qué (demonios) es el Espacio de Color?

Ppor Jose Luis Rodriguez
¿qué es el espacio de color?

Tal vez no lo hayas leído ni escuchado nunca, pero es bastante probable que si te hayas encontrado en alguna ocasión con algún mensaje en el que tu programa de edición fotográfica favorito te avisaba de que la foto que estabas abriendo se había creado en un espacio de color diferente al que estabas utilizando. Y si te ha ocurrido, es probable que hayas pensado que has roto algo, y una vez superado el susto inicial, lo siguiente que habrás pensado es: ¿y qué demonios es esto del espacio de color? Dedícame un par de minutos y trataré de explicártelo en un lenguaje que te resulte sencillo de entender.



¿Alguna vez has visto un mensaje en tu ordenador avisándote de algo relacionado con los espacios de color? Si estás en esa situación, no te asustes. Es comprensible.

Yo mismo me resistí a informarme de lo que significaban los espacios de color durante mucho tiempo. Digamos que no es el apartado más apasionante de la fotografía digital, ya que hay bastante literatura al respecto pero es toda bastante técnica. Y es que, ¿por qué tengo que saber nada de espacios de color si nunca he elegido ninguno? ¿Realmente los necesito?

Me temo que sí. Más tarde o más temprano, la gestión del color se cruza en la vida de un fotógrafo.

Para que no te ocurra lo que a mí, voy a tratar de explicarte en un lenguaje llano lo que significa, de modo que tengas claro lo que es y no se te olvide en el futuro (y de paso, no te asustes y sepas reaccionar cuando veas estos mensajes).

Lo que ven nuestros ojos, el espectro de luz visible

Espacios de colorSi recordáis alguna clase de Ciencias de cuando erais más pequeños, nos explicaban que existía algo llamado el espectro electromagnético y que el ojo humano era capaz de percibir una parte de este espectro electromagnético. Era lo que se llamaba el espectro de luz visible.

Los rayos ultravioleta o los rayos gamma quedaban fuera de este espectro de luz visible: existen, pero no podemos verlos (o al menos yo no puedo).



Lo que muestran los dispositivos: los espacios de color

Al igual que nuestro ojo es incapaz de ver zonas del espectro electromagnético, los dispositivos que habitualmente utilizamos para manipular y presentar nuestras fotos tales como pantallas de televisión u ordenador e impresoras son incapaces de representar el espectro de luz visible.

El problema no sería tan grave si todos tuvieran la misma capacidad de representación, pero no podía ser tan fácil.

Existen diferentes espacios de color y cada uno de ellos tiene capacidades de representación distintas, con mayor o menor limitación de la gama de colores que puede mostrar cada uno.

Adobe RGB, sRGB, ProPhoto RGB... ¿con cuál me quedo?

Si os habéis fijado en el gráfico que aparece más arriba, sRGB es el espacio más limitado y ProPhoto RGB es el más amplio. Si fuera así de sencillo, la elección sería fácil. Siempre el más amplio.

Pero al final dependerá del medio final en el que vayamos a trabajar. Y es que los medios de impresión utilizan a su vez espacios de color diferentes, basados en modelos de color distintos, y normalmente más restrictivos que los que podemos manejar en el ordenador.

En general, y aquí siempre habrá división de opiniones, parece más conveniente utilizar un espacio de color que contenga los colores que pueda representar el dispositivo de salida de tu trabajo final, que en el caso de la impresión en papel será la impresora.