¿Cómo Iluminar Tus Retratos? Descubre Los 5 Modos Más Utilizados

Por Javier Lucas

La luz es básica en la fotografía, no te descubro nada nuevo. Y si además esa luz tenemos que proporcionarla nosotros con accesorios como los flashes, se convierte en un aspecto fundamental a la hora de conseguir buenos o malos resultados en tus fotografías.
En el artículo de hoy quiero que conozcas los 5 modos, probablemente, más conocidos de iluminar tus retratos de estudio. Sí, no creas que cuando uno se dispone a hacer un retrato e iluminarlo adecuadamente es cuestión de azar el conseguir un buen resultado. Todo lo contrario, hay un amplio abanico de posibilidades, que deberás manejar. ¿Quieres conocerlas?

Ante Todo, Evita La Luz Frontal

Recuerda que, cuando te hablamos de los muchísimos beneficios que te ofrece un flash externo, uno de los más importantes que destacamos fue el de poder dispararlo desde una posición distinta a la de la cámara.
Esta características es fundamental y, en la medida de lo posible, trata de hacer uso de ella siempre que puedas. Los resultados que ofrece una toma con iluminación de flash frontal y disparado desde la misma posición en que se encuentra la cámara no son nada buenos.
Por supuesto, hay veces que no te queda más remedio. Pero, si puedes, separa el flash de la cámara. Evitarás reflejos, ojos rojos, sombras mucho más irreales y, en definitiva, un resultado nada natural.

Luz Frontal No, Vale. ¿Desde Qué Posición Ilumino Entonces?

Bien, ha quedado claro que hay que procurar separar flash y cámara, pero una vez separados, hay muchas posibilidades a la hora de colocar el flash, ¿verdad?
Pues vamos a hablar de 5 posibilidades, destacando sus características. Así que, presta atención y toma nota para poder ponerlo en práctica.

#1 Rembrandt Light

Este modo de iluminación busca conseguir un resultado similar al que caracteriza a los retratos del genial pintor.
Pero, ¿qué tienen de particular sus retratos? Pues, muy sencillo, presentan una parte del rostro claramente iluminada y otra más en penumbra (apareciendo un pequeño triángulo de claridad bajo el ojo de esta parte menos iluminada).
El cómo conseguirlo es muy sencillo, hay que situar la fuente de luz a unos 45º de la cámara, que se posicionará frente al sujeto a retratar. A 45º, pero en la otra dirección de la cámara, se podrá situar un reflector.

#2 Split Light

Si llevamos al extremo el modo de iluminación anterior, es decir, situando la fuente de luz a 90º de la cámara y, por tanto, completamente en el perfil del sujeto a fotografiar, conseguimos el modo split light.
Este modo recibe este nombre porque la palabra split en inglés significa partir / dividir y eso es, precisamente, lo que se consigue con esta iluminación, partir al sujeto en dos: la mitad de la cara completamente clara y la otra mitad en penumbra.
Se trata de una iluminación muy dramática, que puede ser útil si lo que buscas es, precisamente, transmitir esta sensación.

#3 Broad Light

El tercer modo de iluminar retratos es a través de la denomida broad light, que es una mezcla entre los dos modos anteriores.
En este caso, la luz se sitúa a 45º de la cámara, como en el modo Rembrandt, pero la cara del sujeto a retratar se gira 45º en sentido opuesto.
De este modo, se expone claramente un perfil de la cara, y el otro queda oculto, confiriendo a la toma una mezcla de belleza e intriga.

#4 Butterfly Light

El curioso nombre de este modo de iluminación viene de la sombra que se genera bajo la nariz del sujeto retratado, en forma de mariposa (butterfly).
Para conseguirlo, basta con situar la fuente de luz enfrente del sujeto, pero en lugar de hacerlo a la misma altura que la cámara, el flash ha de elevarse, de modo que se consiga una iluminación superior.
Se trata de una posición formando un ángulo de 45º con respecto a la cámara, pero, en este caso, en el plano vertical, no en el plano horizontal como en el caso de Rembrandt light.

#5 Loop Light

El último modo de iluminación que vamos a ver en este artículo es el conocido como loop light, se trata en este caso de un modo intermedio entre Rembrandt y butterfly.
El resultado es similar al del modo butterfly, aunque con las sombras ligeramente curvadas y desplazadas hacia el lado opuesto al de la fuente de luz.
Para lograrlo, basta con situar la fuente de luz a 45º de la cámara tanto en el plano vertical, como en el plano horizontal.

¿No Ha Quedado Claro? Mejor Te Lo Explico Con Un Vídeo

Reconozco que los esquemas anteriores pueden no ser suficientemente explicativos, por eso voy a dejarte el vídeo en base al que yo he podido obtener los esquemas anteriores.
Se trata de un vídeo de Jay P. Morgan, que, aunque está en Inglés, será más que suficiente, junto con los párrafos anteriores, para que te enteres a la perfección de cómo funcionan estos 5 modos de iluminación.

 http://youtu.be/gmmZECtP3oM

Fuente:Dzoom

La Guía Definitiva del Buen Bokeh

Por Mònica Vidal

En otros artículos de dZoom ya hemos comentado qué significa el concepto Bokeh y qué importancia tiene dentro de la fotografía.
En este artículo aprenderemos cómo es un buen bokeh y qué variables influyen a la hora de buscarlo para que tengas toda la información necesaria acerca de lo que es un buen bokeh.

 ¿Qué es el Bokeh?

El término bokeh hace referencia a la calidad de la parte desenfocada de una fotografía. Pese a que comúnmente se piensa que buscar bokeh significa aplicar el desenfoque sobre puntos de luz para conseguir las típicas figuras geométricas de colores, eso no es correcto. En realidad, y siguiendo la definición que abre este artículo, el bokeh puede aplicarse a todos los sujetos imaginables, aunque éstos no contengan puntos de luz.

¿Cómo se Consigue el Bokeh?

En general, bokeh y profundidad de campo van de la mano. A menos profundidad de campo, bokeh más evidente. Hay varias maneras de conseguir un bokeh muy marcado:

• Diafragma abierto. Especialmente a partir de f2,8. La profundidad de campo tan reducida que se consigue con estos diafragmas hace que muy pocos elementos de la composición queden enfocados y, como consecuencia, que el resto de fotografía quede fuera de foco, creando bokeh.
• Distancia focal. Cuanto más grande es la distancia focal, menor profundidad de campo hay y, por lo tanto, más desenfoque se genera. Por ejemplo, haciendo una fotografía con una focal de 100mm conseguirás una profundidad de campo mayor que si la tomas con una focal de 200mm.
• Distancia entre sujeto y fondo. Cuanta más distancia haya entre el sujeto enfocado y el fondo, más desenfocado quedará éste último y se generará un bokeh más evidente. En la siguiente fotografía, por ejemplo, pese a no usar una gran apertura de diafragma, la distancia entre sujeto y fondo es muy grande.
• Acercarse al sujeto. Aunque esto te limita a buscar el bokeh en fotografías macro, el acercarse al sujeto usando unos tubos de extensión o filtros ampliadores, se reduce la profundidad de campo, aumentando las posibilidades de hacer más visible el bokeh.

 

¿Cómo es un Buen Bokeh?

Entramos en la parte conflictiva del artículo. Generalmente los no entendidos en el tema (entre los que me incluyo) creen que buscar bokeh significa buscar puntos de luz y ponerlos de fondo para un sujeto. Al desenfocar los puntos de luz se generan unas figuras geométricas muy llamativas. Pero esto no es un buen bokeh. Hay varios tipos de bokeh:
Bokeh pobre. Se trata de un círculo que no está iluminado uniformemente. Si hemos comentado que el término bokeh se refiere a la calidad del desenfoque de una fotografía, un elemento tan definido no puede ser considerado un buen bokeh.
 
Bokeh neutral. Este círculo está iluminado de manera uniforme y tiene el límite un poco más desenfocado que en el caso anterior. Pese a esto, todavía es un bokeh pobre pues la figura geométrica todavía está demasiado definida. Este es el círculo que se consigue con la mayoría de objetivos que no son profesionales.
 
Buen bokeh. Este es el bokeh que se debe buscar. El borde, como se observa en la imagen, está completamente desenfocado. Así pues, se trata de conseguir que los puntos de luz que se generen en el fondo de tu fotografía queden lo más parecidos posible a esta tercera figura. Con esto conseguirás un buen bokeh.
 

¿Qué Influye en la Calidad del Bokeh?

Lo único que influye en la calidad del bokeh es el objetivo que se use para tomar la fotografía. Dentro de las características de la lente usada, las que más influyen son:

• El diseño de la lente: si tiene más o menos grado de aberración esférica, o sea, la calidad del bokeh que produce (pobre, neutral o bueno).
• La forma del diafragma: cuanto más cercano sea a un círculo, más agradable será el bokeh que genere. Los objetivos más económicos tienen diafragmas formados por cinco o menos palas. Cuantas menos palas tenga el diafragma, menos circular será el desenfoque que genere. Estos objetivos generarán un bokeh geométrico (por ejemplo, un diafragma de cinco palas generará un desenfoque en forma de pentágono). En cambio, los diafragmas de los objetivos profesionales tienen un mínimo de nueve palas que, al cerrarse, generan un desenfoque que se acerca mucho más a un círculo y, por lo tanto, crearán un bokeh muy bueno y agradable visualmente. En la siguiente fotografía, vemos un ejemplo de bokeh pobre generado por un diafragma de siete palas.

 

Entonces, ¿un Bokeh Pobre Conlleva una Mala Foto?

¡En absoluto! Puedes conseguir fotos muy atractivas visualmente con un bokeh pobre. Incluso puedes buscar expresamente un bokeh pobre para según qué fotos. Si ese es el caso, es incorrecto decir que se ha buscado el bokeh en la fotografía. Lo correcto es afirmar que has buscado los círculos de luz o un desenfoque muy definido.
En conclusión, aunque quizás no puedas conseguir un bokeh perfecto por las características técnicas de tus lentes, lo importante es conocer cómo es un buen bokeh y, llegado el momento, cómo saber buscarlo.

¿Algo más que añadir? ¿Tienes alguna foto con bokeh (sea bueno, neutral o pobre) que quieras enseñar al mundo?  ¡Adelante!

Cómo (Intentar) Ganar un Concurso de Fotografía

Por Javier Lucas

Llega un momento, cuando uno controla los aspectos básicos de la fotografía y empieza a conseguir que su cámara obtenga más o menos los resultados deseados, que comienzan a surgir nuevos retos como el de presentarse a un concurso de fotografía.
En el colegio, en la universidad, en el trabajo, en algún centro cultural, por Internet... De pronto, aparece un anuncio sobre un concurso de fotografía y pensamos: ¿por qué no?, entre todas las fotos que tengo, hay algunas que merecen la pena, ¡voy a intentarlo!
Para que cuando se dé esta situación puedas saber cómo actuar, aquí van unos consejos al respecto que creo que pueden ser de mucha utilidad.

Antes de nada, me gustaría decir que no soy para nada un experto en concursos, sólo he participado en 3 y en ninguno de ellos he ganado. En el más reciente conseguí una mención especial, pero nada más.
Sin embargo, la participación en estos 3 concursos y el análisis de otros en los que he podido ver las fotografías presentadas y las ganadoras me ha permitido encontrar algunos aspectos clave que creo que pueden ser de tu interés cuando pienses en participar en un concurso.

#1 Léete Las Bases del Concurso: Tema, Tamaño de las Obras, Restricciones...

Aunque parezca una tontería, lo primero que debemos hacer cuando pensemos en presentarnos a un concurso es leer cuidadosamente las bases del mismo.
En ellas podremos encontrar, entre otros, los siguientes aspectos clave:

• El tema sobre el que versa el concurso. En muchas ocasiones puede ser temática libre, pero si no es así, hay que identificar el tema y elegir la/s fotografía/s que presentemos en consecuencia.
• El tamaño de la/s fotografía/s. Normalmente para garantizar una calidad mínima y poder cribar entre fotos de dimensiones similares, los concursos suelen marcar unos tamaños mínimos y máximos de fotografía. Mucho cuidado con ellos, pues, por buena que sea tu fotografía, si no cumple, puede ser descartada por esta "tontería".
• Las restricciones o limitaciones, en un sentido amplio, limitarán la participación, por ejemplo: por edad, por haber ganado premios en ediciones pasadas. Pero también limitarán el contenido de las fotografías a presentar, por ejemplo: no desnudos, no imágenes violentas... Mucho cuidado también para no incumplir estas restricciones.

Como cuando uno va a hacer un examen, lo primero, antes de contestar, es leerse muy bien el enunciado de las preguntas.
En un concurso, el enunciado está en las bases del mismo y, por tanto, debes asimilarlas muy bien para tratar de hallar la mejor manera de "aprobar el examen", o, en este caso, de sacar Matrícula de Honor ;)

#2 Aplica Las Reglas Básicas o Rómpelas Decididamente

Como sabes, el éxito o fracaso de una fotografía no es simplemente una cuestión de azar. Hay una serie de elementos que resultan básicos:

• Una correcta exposición
• Una profundidad de campo adecuada
• El empleo de reglas básicas como: la regla de los tercios, la regla de la mirada, el empleo de las líneas en tus composiciones...
• etc.

Mi recomendación es que, si no estás seguro, sigas estas reglas. Al menos conseguirás con ellas un trabajo correcto y puede que bueno o muy bueno.
Sin embargo, como ya comentamos hace mucho, las reglas están para romperlas. Y, probablemente, de hacerlo, lograrás un resultado diferente, que puede ayudarte a diferenciarte. Aunque será mucho más difícil lograr una buena fotografía así.
De ti depende el arriesgarte. Eso sí, si lo haces, hazlo decididamente, que no parezca que es un error por desconocimiento de estas reglas. Sino porque buscas una clara ruptura de las mismas.

#3 Busca La Sencillez y La Claridad de Ideas en Tus Fotografías

Tendemos a pensar, al menos a mí me pasa, que cuantos más elementos incluyamos en una fotografía más completa y perfecta será ésta. Algo que es un error.
Las fotografías sencillas tienen habitualmente un mayor encanto y son más fácilmente interpretables en cuanto a la historia que pretenden contar.
No olvides que las fotografías, más allá de la perfección técnica, compositiva, o artística, cuentan una historia. Y esa historia es la que te puede hacer ganar el concurso.
En fotografía, menos es más. Ya te lo hemos dicho más veces, ¿verdad?

#4 Qué Queremos Transmitir: La Historia Que Cuenta Nuestra Foto

Hacíamos hincapié en el punto anterior en la importancia de la sencillez de tus fotografías como base para facilitar que el jurado pueda ver claramente la historia que transmiten.
En mi opinión, esta historia será la que te hará ganar un concurso, o, al menos, la que debería darte ese punto diferencial para poder ganalo.
De modo que cuando estés en la fase de selección de imágenes a presentar, de entre tu amplio catálogo fotográfico, piensa en la historia que transmite cada foto y busca aquella que presenta una historia más impactante, humana, sentimental, etc.
La fotografía funciona por sentimientos y es a los sentimientos del jurado adonde debes tratar de llegar.

#5 NO Hay Trucos Mágicos Para Ganar

Si sigues los 4 puntos anteriores, te garantizo que lograrás un buen resultado, te sentirás probablemente muy satisfecho de tu trabajo, e incluso aquellos que vean tu fotografía tendrán una buena opinión de la misma.
Lamentablemente, queda una parte muy importante y también completamente impredecible: la elección, que estará determinada, entre otros factores, por: la subjetividad del jurado, la brillantez de tus competidores, el propio azar, etc.

No Lo Dudes. ¡Participa en los Concursos!

El no conocer la clave mágica para ganar un concurso no debe preocuparte, ni aminorar tu interés y entusiasmo por participar y, quién sabe, ganar.
Piensa que, como poco, te habrá servidor para analizar tu catálogo, obtener grandes imágenes, mejorar tu capacidad de análisis para futuras fotografías, aprender de fotógrafos mejores que uno mismo (que los hay a cientos :)).
Y, si encima ganas, una mención, quizás un trofeo, e, incluso, dinerito que puedas invertirte en nuevos accesorios fotográficos. Mejor que mejor. ¿no?
Así que, ya sabes, no dejes de intentarlo.
Por cierto, ¿me he dejado algún consejo?, ¿por qué no me ayudas a completar esta lista con tus ideas y consejos al respecto? Me encantaría conocer los tuyos.

Fuente: Dzoom