La Simetría Dinámica: Situando el Centro de Interés

Por Jose Luis Rodriguez

Muchas veces hemos explicado que una de las recomendaciones en cuanto a la composición es no situar el centro de interés de nuestra foto en el centro de la foto, sino buscar un punto en la foto con más atractivo. La regla de los tercios es el sistema más conocido por simple de ubicar el centro de interés, pero no es el único. Hoy te traigo otro: la Simetría Dinámica. ¿Quieres saber lo qué es?

Las fórmulas de reparto del espacio y los elementos de la foto suelen provenir de la aplicación de la proporción áurea. Hoy no me voy a entretener en la explicación de la proporción áurea ni del número áureo, pero aprovecharé para aclararte que la regla de los tercios es una forma simplificada de acercarnos al centro de interés que genera la proporcion áurea.

La simetría dinámica es una alternativa que nos permitirá calcular los puntos donde situar nuestro centro de interés por facilitar la atracción de las imágenes.

Para calcularlo, basta con realizar los siguientes pasos.

Simetría Dinámica: Calculando los puntos

Coge tu foto y traza una diagonal imaginaria que recorra la foto.

Sobre la diagional, traza una recta que parta de uno de los vértices libres formando un ángulo de 90 grados sobre la diegonal.

La intersección de las dos rectas es uno de los puntos.

Si haces la misma operación desde el otro vértice, conseguiras sacar el otro punto.

Al igual que la regla de los tercios, puedes sacar cuatro puntos. Los dos que te faltan los obtienes a partir de la otra diagonal.

Repite el proceso y sacarás los puntos restantes.

Con un poco de práctica, conseguirás tomar referencias en tu visor o en tu LCD de la ubicación aproximada de estos puntos.

Mientras lo consigues, y para poder ajustar el resultado, siempre puedes preparar una plantilla en Photoshop o tu programa de edición de fotos favorito para reencuadrar las fotos después de hacerlas acercando el centro de interés de tu foto a uno de estos puntos.

Tutorial para Fotos HDR con Photomatix y Photoshop Paso a Paso

Por Jose Luis Rodriguez

El HDR definitivamente está de moda. Hace ya mucho que te lo presentamos, y hoy en día sitios como Flickr están inundados de fotos a las que se le ha aplicado un Tone Mapping. Aunque ya cubrimos hace mucho Photomatix, el programa por excelencia para hacer fotos HDR, hoy vamos a repasar sus opciones aplicando un flujo de trabajo con un caso práctico. ¿Te apuntas al tutorial de HDR?

No es el primer artículo de HDR (ni seguramente el último) que publicamos en dZoom. En esta ocasión he querido realizar, basado en un taller práctico, el funcionamiento de Photomatix Pro 3.0, revisando las funciones más críticas a la hora de hacer un Tone Mapping, de modo que entiendas su funcionamiento y puedas aplicarlo a tus propias fotos.

En esta ocasión voy a utilizar una serie de 3 fotografías en formato RAW que tomé con ayuda de un trípode. Aunque hay maneras de acercarse a la fotografía de alto rango dinámico con una única foto, si realmente queremos manejar información necesitamos disponer de varias tomas realizadas en condiciones diferentes. Este es el caso.

Editando en Photomatix

La interfaz de Photomatix es bastante simple. Al abrir el programa nos encontramos con una ventana con las opciones más comunes del programa, con lo que es difícil perderse.

Vamos a utilizar la opción "Generate HDR Image", el primer botón que aparece.

Al seleccionar esta opción, Photomatix nos pedirá las fotos que queremos fusionar. Pulsamos el botón Browse y seleccionamos las fotos que queremos utilizar en nuestra fusión. Una vez las hayamos seleccionado, pulsamos OK.

Lo siguiente es indicar cómo fusionar las imágenes.

Por un lado, debemos indicar si deseamos que Photomatix intente alinear las imágenes o no, y en caso de hacerlo, si deseamos que haga un crop de las zonas sobrantes.

Por otro, tenemos una opción para que Photomatix intente eliminar el ghosting. Es el efecto producido cuando en diferentes tomas hay elementos móviles y éstos no coinciden entre fotos. Pueden ser personas o coches desplazándose por la escena, o el movimiento de las ramas de los árboles o las olas del mar por el viento.

Para el ejercicio voy a prescindir de las dos opciones.

A continuación Photomatix procesará las imágenes. Cuando acabe veremos una foto con un aspecto un tanto extraño. Nos fiaremos del programa y pulsaremos el botón que aparece con el texto "Tone Mapping".

Photomatix permite tratar la foto de dos formas diferentes. La primera es "Details Enhancer" y la segunda "Tone Compressor". Vamos a utilizar Details Enhancer, que es la más conocida, y dejaremos la segunda para otra ocasión.

En función de cómo manejemos los parámetros los resultados pueden ser radicalmente diferentes.

Strength y Light Smoothing

El primer ajuste que debes realizar y que determinará el resultado final es el de elegir los valores de Strength y Light Smoothing.

Para poder apreciar los cambios, he creado una tabla en la que se ve el resultado de variar los valores de Strength y Light Smoothing para los valores 25, 40, 55, 70 y 85 de Strenght, y de 1 a 5 para Light Smoothing.

Haz clic en la imagen para poder verla en tamaño grande y apreciar el detalle de cada una de ellas

Luminosidad y Gamma

A la hora de jugar con los tonos de la foto, tendremos que elegir entre dos controles. Son luminosidad y Gamma. El resultado de su combinación dará una fotografía más clara, pero su comportamiento es diferente.

La Luminosidad controla la compresión del rango tonal, ajustando el nivel de luminosidad global. Hacia la derecha potencia el detalle de las sombras y aumenta el brillo de la imagen. Hacia la izquierda la oscurece, consiguiendo un efecto más natural.

El Gamma ajusta los tonos medios de la imagen, aclarando u oscureciendo la foto de forma global.

En la primera foto he bajado la luminosidad (-6) y he llevado el gamma a la derecha (0,80).

En la segunda he subido la luminosidad (4) y he llevado el gamma a la izquierda (1,30).

Las fotos tienen unos niveles de claridad parecidos, pero en la segunda el detalle de algunas zonas como el cesped o la pared de ladrillo en la parte inferior derecha de la foto es mucho mayor, por el mayor contraste que ejercen las sombras con el uso del control de luminosidad. Sin embargo, en la primera ese contraste es mucho menor.

El mayor contraste local también trae asociado mayor ruído. Éste se puede detectar fácilmente en el cielo. Así que tendremos que elegir a la hora de combinar entre Luminosidad y Gamma.

Los valores White Point y Black Point indican el punto de negro y de blanco de la foto. Cuanto más a la derecha estén estos puntos, más se incrementará el contraste global de la fotografía.

White Point fija el valor para el blanco (nivel 255) y Black Point para el negro (Nivel 0).

Jugando con los distintos valores que puedo utilizar, en la siguiente imagen se puede apreciar la configuración final que he utilizado con mi foto:

Ajustando la foto en Photoshop

Mucha gente cree que el trabajo finaliza con el resultado del programa de HDR. Es ujna opción, pero lo cierto es que estos programas no permiten demasiado control sobre algunas cosas y siempre es bueno poder realizar ajustes finales sobre la foto.

Allá vamos.

Ajusto con Curvas

Las fotos HDR tal cual salen de Photomatix suelen tener un aspecto muy "lavado". Por ello lo primero que haré será mejorar el resultado con el uso de curvas.

Creo una nueva capa de ajuste de tipo Curvas.

Voy a dibujar unas curvas en "S", para contrastar más la imagen, subiendo un poco las luces y bajando las sombras, como se ve en la foto.

Ajusto el Brillo y el Contraste

Para terminar, creo una nueva capa de ajuste en la que subo tanto el brillo como el contraste.

Para el brillo he elegido un valor de 5, mientras que para el contraste ha sido de 20.

Y éste es el resultado final obtenido.

Mejor, ¿no?

Filtros Polarizadores: Qué Son y Para Qué Sirven

Por Jose Luis Rodriguez

Es posible que hayas oído hablar alguna vez de los filtros polarizadores pero no tengas muy claro para qué sirven y cómo se utilizan. También puede que no los conozcas, con lo que deberías saber de su existencia porque probablemente te interese disponer de uno para tu cámara una vez descubras para qué sirven. Si crees que te puede interesar, dedícame dos minutos y te explicaré lo que son los filtros polarizadores y cual es su uso para que a partir de ahora no tengas dudas en esta materia.

Los cubrimos hace tiempo en el artículo "Todo lo que Necesitas Saber sobre Filtros en Fotografía" y también los recomendamos en el artículo "3 Filtros para tu Objetivo que Deberías Tener". Y es que los filtros polarizadores son extremadamente útiles en determinadas situaciones y pueden mejorar drásticamente los resultados en tus fotos en esas condiciones.

Para ilustrar el artículo voy a utilizar una serie de fotos tomadas por Aidan Wojtas y sacadas de su galería de Flickr.

Un poco de teoría

Mucha de la luz que vemos es una luz rebotada, reflejada en distintas superficies. Donde más se perciben estos reflejos es en superficies métálicas, agua o cristal. Lo que hace un filtro polarizador es reducir la luz que capta que provioene de estos reflejos.

Los efectos que notaremos al utilizar un filtro polarizador son:

• la eliminación de reflejos sobre superficies no metálicas como agua y cristal, especialmente con ángulos entre 30º y 40º.
• el realce del colorido de las plantas al filtrar los reflejos azulados del cielo.
• la eliminación de luz del cielo sin nubes, tornando el azul del cielo a un tono más oscuro, con lo que las nubes blancas se realzan frente al azul del cielo. Este efecto varía en intensidad en función del ángulo respecto al sol.

Foto 1: Reflejos metálicos

Fijate en la diferencia entre estas dos fotos.

La foto de la izquierda se ha tomado sin usar el filtro, mientras que la de la derecha lleva filtro. Fijate cómo ha desaparecido el reflejo de las nubes en el capó del coche.

En esta otra foto se ve otro coche completo y se aprecia con toda claridad el efecto del filtro.

Mira también estas fotos del agua. Como se puede apreciar, las diferencias en los reflejos son notables.

Una de las consecuencias de utilizar estos filtos es el mayor contraste de las imágenes y la saturaciónde ciertos colores. Tenlo en cuenta.

¿Filtro Polarizador Lineal o Circular?

Por último, debes saber que existen dos tios de filtros polarizadores en el mercado: los lineales y los circulares. Es muy común hacerse la pregunta: "¿Filtro Polarizador Lineal o Circular?". La respuesta rápida es: Circular. Ahora te explico por qué.

SI tu objetivo tiene Autofocus (AF), que son los objetivos que hacen hoy en día, es decir, que no necesitas enfocar a mano, necesitarás el circular. El problema del lineal es que cuando el objetivo gira a la hora de enfocar, el filtro puede girar con él, y tendríamos que estar girando nosotros a mano de nuevo el filtro hasta situarlo en la posición deseada.

Salvo que tengas un filtro lineal antiguo y quieras utilizarlo, si te estás preguntando cual comprar, la elección es circular.

Qué debes mirar a la hora de elegir un filtro polarizador

Lo primero que recomiendo cuando hablo de filtros es buscar una buena marca. Lamentablemente, situar un elemento entre la óptica de tu cámara y lo que quieres fotografiar tiene sus consecuencias. La mínima es la pérdida de luz, y a partir de ahí en función de la calidad del filtro afectará más o menos a la de la foto resultante.

Por eso siempre, en cuestiones de óptica, recomiendo acudir a un fabricante reconocido.

Lo siguiente que tendrás que mirar es el diámetro de tu objetivo. Cada objetivo tiene un diámetro, y como estoy pensando en objetivos de rosca, de los que se acoplan a nuestro objetivo, es necesario que sean del mismo diámetro. Por tanto, antes de comprar un filtro polarizador, revisa las especificaciones de tu objetivo para asegurarte de que eliges el mismo diámetro.

Metodo Greg Gorman de Conversión a Blanco y Negro en Photoshop

Por Jose Luis Rodriguez

Como habrás podido comprobar a estas alturas, no hay un úinico método válido para pasar a blanco y negro con Photoshop. En este artículo recogemos el método aplicado y descrito por Greg Gorman. Greg Gorman es un conocido fotógrafo de celebridades de Hollywood. Así que, si quieres conocer los secretos del blanco y negro de Greg Gorman, no dejes de leer las siguientes líneas.

Introducción

Greg Gorman es un fotógrafo estadounidense especializado en retratos conocido entre otras cosas por sus fotos a distintas celebridades de Hollywood. Su obra ha sido portada en numerosas revistas como Life, Rolling Stone, Time o Vanity Fair.

Antes de nada, lo que si debes tener claro es que el método no va a hacer magia en tus fotos. Greg Gorman es un gran fotógrafo, independientemente del método que aplique a la hora de pasar a blanco y negro. Esto significa que si en el caso que apliques no queda todo lo bien que quisieras, es probable (no me lo tomes a mal) que la foto sea mejorable. Pero lo cierto es que lo he probado comparándolo con otros métodos y el resultado es muy interesante. Al final del artículo recojo un enlace con su método original en inglés.

El método Greg Gorman de blanco y negro, paso a paso

1) Pasa la foto a modo Color Lab

Para ello, utiliza la opción de menú Imagen -> Modo -> Color Lab.

2) Selecciona la capa Luminosidad

En la ventana de capas, selecciona la solapa de canales y pulsa con el ratón sobre el canal Luminosidad.

3) Cambia el modo a Escala de Grises

De nuevo con el menú Imagen -> Modo -> Escala de Grises. Si en este punto te solicitara confirmación por perder parte de la información de los canales, contesta que si y acepta la ventana que aparece.

4) Selecciona el canal gris

Para ello debes pulsar con el ratón sobre la capa Gris mientras mantienes pulsada la tecla Ctrl.

5) Invierte la selección para seleccionar las Sombras

Esto se consigue con la opción de menú Selección -> Invertir, o mediante la combinación de teclas Ctrl+May+I.

6) Cambia a Modo RGB

De nuevo mediante el menú Imagen -> Modo -> RGB

7) Creamos una nueva capa de relleno negra

Vamos al menú Capas -> Nueva capa de relleno -> Color Uniforme y selecciona el color #000000.

8 ) Cambia la capa de color a Multiplicar

Esto se consigue seleccionando la capa que acabas de crear y cambiando el modo de fusión de Normal a Multiplicar mediante la combo que se encuentra justo debajo de la solapa Capas en la ventana de Capas.

9) Ajusta la opacidad de la capa solida

Mediante la barra de desplazamiento de opacidad que se encuentra a la derecha de la combo de los modos de fusión en la ventana de capas.

10) Ajusta los niveles o las curvas

Mediante una nueva capa de ajuste, bien de niveles o bien de curvas /la que te guste más), ajusta el contraste de la foto.

11) Crea una nueva capa como combinación de todas las anteriores

Esto lo hacemos manteniendo pulsadas las teclas Ctr+Alt+May+E.

12) Pon la nueva capa en modo de fusión Superponer (Overlay) y baja su opacidad al 20%

De nuevo en la ventana de capas, con la capa recién creada seleccionada, utilizando para ello la combo que aparece debajo de la pestaña Capas.

13) Aplica un filtro de paso alto

En el menú Filtro -> Otros -> Paso Alto. Seleccionamos un radio apropiado (Greg Gorman recomienda aquí utilizar 50px).

14) Ajusta los tonos de la capa recién creada

Para ello, haz doble clic en la capa nueva para editar sus propiedades.

En "Fusionar si", con el canal Gris seleccionado, aplica los siguientes cambios:

• En el regulador "Esta capa", pincha y arrastra una de las mitades hasta 70 (manteniendo la tecla Alt pulsada sobre el selector), y la otra mitad llevala hasta 50.
• Haz lo mismo con el selector blanco poniendolo en 185 y 205.

Y listo. Quedarían los ajustes que consideremos para mejorar el tono y el contraste global o local de la foto.

Efecto LOMO en GIMP en 4 sencillos pasos

Por Jose Luis Rodriguez

Hace ya tiempo te expliqué lo que eran las cámaras LOMO y el aspecto tan curioso que tienen las fotos hechas con estas cámaras. En aquel artículo te facilitamos un script Photoshop para que pudieras aplicarlo a tus fotografías. Sois muchos los que me pedís un poco más de atención a GIMP, la alternativa en software libre a Photoshop y para la mayoría el mejor programa para edición de fotos gratuíto disponible. Hoy te traigo un artículo donde trataré de replicar el efecto LOMO, pero esta vez con GIMP.

Los más puristas me recordarán que LOMO, más que fotografía, es un estilo de vida, y que difícilmente se puede reproducir en digital. De acuerdo. Pero para aquellos que quieren tratar de simular este efecto con GIMP, ahí va el artículo. Para hacerlo he utilizado la versión de GIMP 2.6 en español.

Paso 1: Brillo/Contraste

Lo primero que haré es ajustar el contraste. En el menú Colores -> Brillo/Contraste abrimos la ventana de ajuste. Vamos a subir el contraste bastante. En mi ejemplo lo he hecho un 50%.

Paso 2: Tono/Saturación

A continuación vamos a subir la saturación de la imagen. Al igual que lo he hecho para Brillo/Contraste, he utilizado el menú COlor -> Tono/Saturación y he subido la saturación también un 50%.

Paso 3: Viñeteando la foto

Para hacer el viñeteo (el oscurecimiento de los bordes de la foto) voy a aplicar sucesivamente gradientes. Quiero conseguir un efecto de viñeteado muy pronunciado, manteniendo el borde de la foto muy oscuro, y el centro de la foto algo sobreexpuesto.

En el panel de herramientas selecciono la utilidad de degradado.

Lo primero que voy a hacer es un oscurecimiento de los bordes. Seguro que se puede hacer de muchas maneras distintas. Para el ejemplo he utilizado la herramienta de degradado, he puesto el modo de fusión en Multiplicar, he seleccionado el modo de degradado radial, de tipo color negro a transparente.

En la imagen puedes ver cómo he marcado las opciones de la herramienta de degradado antes de aplicarlo en la foto.

PAra aplicarlo, simplemente he marcado con el ratón sobre la foto el centro y el radio que quería aplicar.

He repetido el proceso un par de veces.

A continuación, de nuevo con la herramienta de degradado, he tratado de aclarar el centro. Para ello he cambiado a modo "Claridad suave", eligiendo un degradado de blanco a transparente, y lo he aplicado sobre el centro de la foto.

Paso 4: Agudizando el efecto

Por último, y para conseguir un efecto más irreal aún, puedes probar a duplicar la capa con la que estas trabajando y poner la nueva capa en modo de fusión Pantalla o Blanquear, bajando la opacidad. Yo he utilizado el modo Blanquear a un 30% de opacidad.

Y listo. Ya tenemos nuestra foto con el efecto LOMO aplicado. A continuación podéis ver la foto original y la resultante después de aplicar el efecto LOMO.

Fácil, ¿verdad?